{"id":106423,"date":"2024-10-06T00:01:20","date_gmt":"2024-10-05T22:01:20","guid":{"rendered":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/?p=106423"},"modified":"2025-08-30T05:07:20","modified_gmt":"2025-08-30T03:07:20","slug":"sprache-ein-virus-aus-dem-weltall","status":"publish","type":"post","link":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/2024\/10\/06\/sprache-ein-virus-aus-dem-weltall\/","title":{"rendered":"Sprache, ein Virus aus dem Weltall"},"content":{"rendered":"

Sprachen lernen ist ein physisches Vergn\u00fcgen. Worte sind irgendwie pers\u00f6nlich und verbl\u00fcffend. <\/em><\/span><\/p>\n

Jorge Luis Borges<\/span><\/p>\n

Wir betrachten auf KUNO in 2024 \u201eLyrics\u201c als eine Form der Poesie. Die Lyra ist eine antike Harfe, ein Symbol f\u00fcr die Lied- oder Dichtkunst, sie leitet von dieser auch die Lyrik ab, also eine Dichtkunst, welche mit der Begleitung durch die Lyra vorgetragen wurde. Im 20. Jahrhundert ist zu Begleitung von Lyrics eine elektrische Geige dazugekommen. Die Redaktion postulierte bereits vor einiger Zeit: \u201edass moderne Literatur nicht nur im begrenzten Format eines Buches seinen Platz hat, belegen der Multimediak\u00fcnstler Peter Meilchen<\/a> oder die visuelle Poetin Angelika Janz<\/a> und die Multimedia-Artistin Laurie Anderson<\/a> nachdr\u00fccklich. Alle vorgenannten Artisten arbeiten sowohl mehrperspektivisch, als auch interdisziplin\u00e4r.\u201c Anderson ist das, was Leonardo da Vinci als \u201euna donna universale\u201c<\/em> bezeichnet hat. Sie ist eine vielseitige K\u00fcnstlerin, Autorin, Filmemacherin und Entdeckerin, die sich von Wissenschaft und Technologie inspirieren l\u00e4sst. Und sie hat eine bemerkenswerte Begabung f\u00fcrs Geschichtenerz\u00e4hlen.<\/p>\n

Mit Performance Art hinterfragten Artisten die Trennbarkeit von K\u00fcnstler und Werk sowie die Warenform traditioneller Kunstwerke.<\/span><\/p>\n

Als Performerin trat Anderson in den 1970er Jahren in New York auf, sie begann ihre Laufbahn als Performancek\u00fcnstlerin zwischen Body Art und autobiographischer Kunst. Sie ist eine K\u00fcnstlerin, deren Werk sich jeder einfachen Beschreibung entzieht. Als klassisch ausgebildete Geigerin begann sie ihre F\u00e4higkeiten 1974 in \u201aDusts on Ice\u2018 einzusetzen, einem Freiluftst\u00fcck. Sie spielte neben einer Aufnahme Geige, w\u00e4hrend sie Schlittschuhe trug, deren Kufen zu einem Eisblock eingefroren waren; Die Auff\u00fchrung endete erst, als das Eis geschmolzen war. Andere fr\u00fche St\u00fccke, wie New York Social Life<\/em> und Time to Go<\/em>, sind zusammen mit Werken von Pauline Oliveros und anderen in der Zusammenstellung New Music for Electronic and Recorded Media<\/em> von 1977 enthalten. Weitere St\u00fccke wurden auf Airwaves<\/em> aufgenommen, einer Sammlung von Audiost\u00fccken verschiedener K\u00fcnstler. Sie nahm auch einen Vortrag f\u00fcr Vision auf, eine Reihe von K\u00fcnstlervortr\u00e4gen, die von Crown Point Press als Satz von sechs LPs ver\u00f6ffentlicht wurden.<\/p>\n

Performance ist ein interpretativer Begriff. Widerspruch und Meinungsverschiedenheit sind darin enthalten, eine allgemeinverbindliche Definition ist in diesem Sinne unm\u00f6glich. Die Widerspr\u00fcchlichkeit rivalisierender Deutungen und Bedeutungen ist ihr wesentlicher Bestandteil.<\/span><\/p>\n

Viele von Andersons fr\u00fchesten Aufnahmen blieben unver\u00f6ffentlicht oder wurden nur in begrenzter Auflage ver\u00f6ffentlicht, wie zum Beispiel ihre erste Single It’s Not the Bullet that Kills You (It’s the Hole)<\/em>. Dieses Lied wurde zusammen mit New York Social Life<\/em> und etwa einem Dutzend anderer urspr\u00fcnglich f\u00fcr die Verwendung in einer Kunstinstallation in der Holly Solomon Gallery in New York City aufgenommen, die aus einer Jukebox bestand, auf der die verschiedenen Anderson-Kompositionen abgespielt wurden. Zu den Musikern dieser fr\u00fchen Aufnahmen geh\u00f6ren Peter Gordon am Saxophon, Scott Johnson an der Gitarre, Ken Deifik an der Mundharmonika und Joe Kos am Schlagzeug. Fotos und Beschreibungen vieler dieser fr\u00fchen Auff\u00fchrungen wurden in Andersons retrospektives Buch Stories from the Nerve Bible<\/em> aufgenommen.<\/p>\n

Mit ihrer <\/em>Violine erzeugt Laurie Anderson die Sprachkraft der reinen Instrumentalmusik.<\/em><\/span><\/p>\n

Wenn wir uns an Andersons erste Performance in den 1970er Jahren erinnern, so entwickelte sie daf\u00fcr den Viofonografen<\/a>, eine Violine mit einer aufmontierten 7\u2033-Single, \u00fcber die sie den Violinenbogen strich. Die Bandbogengeige ist ein 1977 von Laurie Anderson entwickeltes Instrument. Sie verwendet ein bespieltes Magnetband anstelle des traditionellen Rosshaars im Bogen und einen Magnetbandkopf im Steg. Die Artistin hat dieses Ger\u00e4t im Laufe der Jahre aktualisiert und modifiziert. In ihrem Film Home of the Brave<\/em> ist sie mit einer sp\u00e4teren Generation dieses Ger\u00e4ts im Late Show-Segment zu sehen, in dem sie einen von William S. Burroughs aufgenommenen Satz manipuliert. Diese Version der Geige verwendete MIDI-basierte Audiosamples, die durch Kontakt mit dem Bogen ausgel\u00f6st wurden.<\/p>\n

In den sp\u00e4ten 1970er Jahren machte Anderson eine Reihe zus\u00e4tzlicher Aufnahmen, die entweder privat ver\u00f6ffentlicht oder in Kompilationen avantgardistischer Musik aufgenommen wurden, insbesondere Ver\u00f6ffentlichungen des Labels Giorno Poetry Systems des New Yorker Dichters John Giorno, einem fr\u00fchen Vertrauten von Andy Warhol. 1978 trat sie auf der Nova Convention auf, einer gro\u00dfen Konferenz, an der viele Pers\u00f6nlichkeiten der Gegenkultur und aufstrebende Avantgarde-Musiker teilnahmen, darunter William S. Burroughs, Frank Zappa, Timothy Leary, Malcolm Goldstein, John Cage und Allen Ginsberg. Ende der 1970er Jahre arbeitete sie auch mit dem Komiker Andy Kaufman zusammen.<\/p>\n

Hello? Is anybody home? Well, you don’t know me,
\nBut I know you.
\nAnd I’ve got a message to give to you.
\nHere come the planes.<\/em><\/span><\/p>\n

\"\"Ihr erstes Album Big Science umfasst Lieder aus Andersons vorausschauendem US-Projekt, einem multimedialen Performance-Kunstst\u00fcck mit Oper (\u201eEs schien, als w\u00fcrde jeder, den ich kannte, an einer Oper arbeiten\u201c, erinnert sie sich), das Amerika am Rande der digitalen Revolution und des kapitalistischen Nirvana darstellt, wo der Dollar die Tradition \u00fcbertrumpfte. Das Album hat eine immense Struktur, gro\u00dfz\u00fcgig demokratisch, ebenso zug\u00e4nglich wie r\u00e4tselhaft \u2013 und es weckt zumindest die Neugier bei jedem, der ihm zum ersten Mal begegnet. Andersons atypische St\u00fccke sind textlastig und ironisch, abenteuerlich und intelligent, mit Vocoder, Violine und gesampleten deutschen Tonbandstimmen versehen, ist Big Science<\/em> eines der interessantesten Alben der 1980ger. Die Performerin l\u00f6st keine R\u00e4tsel, sie tut so, als h\u00e4tte sie gar keins gestellt, schickt ihre Stimme durch einen Vocoder und bringt gnadenlos den universellen \u201eVerlust der Aura\u201c (Walter Benjamin) im Bit-Zeitalter auf den Punkt. Sie hat die F\u00e4higkeit, Text, Theater, Musik, Bildende Kunst und neue Medien zu einem homogenen Ganzen zu verschmelzen. In der selbstgew\u00e4hlten Tradition der Barden und Minnes\u00e4nger erz\u00e4hlt sie in ihren Performances mit Vorliebe Geschichten aus ihrem ereignisreichen Leben. Der H\u00f6rer irrt genauso durch die Erz\u00e4hlungen und findet darin das Motiv der Verlorenheit. Diese Songs erscheinen wie eine parodistische Kritik an der Banalit\u00e4t des Interaktiven. Anderson tritt gern in Interaktion mit dem H\u00f6rer. Auch hier durchbricht die die Konvention, als Autor unsichtbar zu bleiben. Tr\u00e4ume, Gedichte, Legenden oder mythische Erz\u00e4hlungen verb\u00fcnden sich mit der Musik und den Bildern zu einzigartigen Multimedia-Shows. Einer breiteren \u00d6ffentlichkeit wurde sie 1981 mit ihrer elfmin\u00fctigen Single O Superman (For Massenet)<\/em> bekannt, mit der sie Platz 2 der britischen Singlecharts erreichte. Dieses St\u00fcck war eine Reaktion auf die Iran-Contra-Aff\u00e4re \u2013 <\/em>und dieser \u201eSong\u201c war der unwahrscheinlichste Hit der Popgeschichte.<\/p>\n

O Superman\u2026 war mit nichts anderem vergleichbar, und Laurie Anderson war auch mit niemandem sonst vergleichbar.<\/em><\/span><\/p>\n

Margaret Atwood<\/span><\/p>\n

Nicht viele K\u00fcnstler ver\u00e4ndern die Art und Weise, wie wir den Sprachgebrauch in der Musik betrachten und wahrnehmen, aber versteht, dass g\u00e4ngige Ausdr\u00fccke allein durch Kontext, Phrasierung und kleine Wendungen dessen, was erwartet wird, stark ver\u00e4ndert werden k\u00f6nnen. O Superman<\/em> war Teil eines gr\u00f6\u00dferen B\u00fchnenwerks mit dem Titel United States und war auf dem Album Big Science enthalten. Anderson ist eine versierte Remixologin, die ihre eigenen Inhalte in Einzelteile zerlegt und sich im Live-Performance-Modus neu kontextualisiert. Vor der Ver\u00f6ffentlichung von Big Science<\/em> kehrte Anderson zu Giorno Poetry Systems zur\u00fcck, um das Album You’re the Guy I Want to Share My Money With<\/em> aufzunehmen; Anderson nahm eine Seite des Doppel-LP-Sets auf, wobei William S. Burroughs und John Giorno jeweils eine Seite aufnahmen, und die vierte Seite enthielt f\u00fcr jeden K\u00fcnstler einen eigenen Groove. Es folgten die aufeinanderfolgenden Ver\u00f6ffentlichungen ihrer Alben \u201eMister Heartbreak\u201c und \u201eUnited States Live\u201c, wobei es sich bei letzterem um eine Aufnahme ihrer zwei Abende dauernden B\u00fchnenshow im Brooklyn mit f\u00fcnf LPs (und sp\u00e4ter vier CDs) Akademie f\u00fcr Musik handelte. Sie trat auch in einer von Nam June Paik produzierten Fernsehsondersendung mit dem Titel \u201eGuten Morgen, Mr. Orwell\u201c auf, die am Neujahrstag 1984 ausgestrahlt wurde.<\/p>\n

Wir erinnern uns:<\/span> Georg Orwell sieht in seinem 1948 entstandenen Roman \u00b41984` das Fernsehen der Zukunft als das Kontrollinstrument des diktatorischen \u201eGro\u00dfen Bruders\u00ab in einem totalit\u00e4ren Staat. P\u00fcnktlich zum 1. Januar des Orwell-Jahrs 1984 will Paik zeigen, dass Satelliten-Fernsehen auch positiven Zwecken dienen kann, so der Mischung von E- und U-Kultur und ihrem Austausch zwischen den Kontinenten. Mit einer Live-Sendung zwischen dem WNET 13 TV in New York und dem Centre Pompidou in Paris sowie einer Zuschaltung von Sendern in Deutschland und Korea erreicht er \u00fcber 10 Millionen Menschen, inklusive der sp\u00e4teren Wiederholungen sogar \u00fcber 25 Millionen weltweit. Sein schon mit dem Videotape Global Groove<\/em> 1973 entwickeltes Konzept eines TV-Austauschs zur V\u00f6lkerverst\u00e4ndigung wird nun erstmals in Echtzeit mittels Satellit erprobt. Viele technische Pannen lassen das Resultat anders werden als geplant, doch dies steigert – laut Paik – das Live-Erlebnis. Der Versuch, Mainstream-TV und Avantgarde-Kunst zu mischen, ist eine typisch Paiksche Gratwanderung, die beim seri\u00f6sen Kunstpublikum eher auf Vorbehalte st\u00f6\u00dft als bei \u201ejungen, medienversierten Leuten, die auf den 20 New Yorker TV-Stationen wie auf einem Klavier spielen\u201c. Paik hat pers\u00f6nlich viel Geld in das Projekt investiert, um seine Vision zu verwirklichen.<\/p>\n

Sun’s coming up. Like a big bald head
\nPoking up over the grocery store
\nIt’s Sharkey’s day. It’s Sharkey’s day today<\/em><\/span><\/p>\n

Mister Heartbreak ist das zweite Studioalbum der amerikanischen Avantgarde-K\u00fcnstlerin, S\u00e4ngerin und Komponistin, das im Februar 1984 von Warner Bros. Records ver\u00f6ffentlicht wurde. Wie sein Vorg\u00e4nger Big Science enth\u00e4lt Mister Heartbreak \u00fcberarbeitete Elemente von Andersons Performance-St\u00fcck United States Live (Langue d\u2019Amour<\/em>, Kokoku<\/em> und Blue Lagoon<\/em>). Allerdings stellte Anderson auch neues Material vor (Sharkey\u2019s Day<\/em> \/ Sharkey\u2019s Night<\/em> und Gravity\u2019s Angel<\/em>), w\u00e4hrend Excellent Birds<\/em>, geschrieben in Zusammenarbeit mit Peter Gabriel, f\u00fcr die Installation Good Morning, Mr. Orwell<\/em> des Videok\u00fcnstlers Nam June Paik geschrieben wurde.<\/p>\n

Das Album Mister Heartbreak umfasst einen Songzyklus, dramaturgisch zusammengehalten vom ersten und letzten Titel, der Tagtr\u00e4ume \/ Erinnerungen des Titelhelden beschreibt, so sind die Exzellenten V\u00f6gel<\/em> Atombomber, die Blue Lagoon<\/em> die Zuflucht f\u00fcr westliche Aussteiger. Musikalisch macht Laurie Anderson minimalistische Musik mit Sprechgesang, fiktiven Dialogen und Soundmalereien.<\/p>\n

Schon mit Sharkey’s day<\/em> entf\u00fchrt uns die K\u00fcnstlerin in ihr Klanguniversum mit afrikanisch \/ s\u00fcdamerikanischen Kl\u00e4ngen, Urwaldsamplen aus dem Synclavier, Aggro-Gitarren von Adrian Belew und dazu ihr Sprechgesang mit lyrischem Kontrast im Refrain. Trotz Andersons Abneigung gegen Gitarren bei Big Science \u00e4nderte sie bei Mister Heartbreak ihre Herangehensweise und nahm die Dienste des King-Crimson-Gitarristen in Anspruch, der auf vier Tracks auftrat. Belew erinnerte sich, dass Anderson sich Sharkey’s Day<\/em> urspr\u00fcnglich als ein \u201eHoedown-artiges Gef\u00fchl\u201c vorstellte, bei dem ein Instrument im Mittelpunkt stand, das einer Maultrommel \u00e4hnelte. Bei der Beschreibung seiner Herangehensweise an das Lied erkl\u00e4rte Belew:<\/p>\n

Ich f\u00fchlte mich zu einem sehr aggressiven Klang eines Pedals namens Foxx Tone Machine hingezogen, einem Oktav-Fuzz-Pedal, dessen Klang dem Soloklang in Jimi Hendrix\u2018 Purple Haze \u00e4hnelt.<\/em><\/span><\/p>\n

Anschlie\u00dfend \u00fcberarbeitete Anderson Sharkey’s Day<\/em>, um Belews Gitarren-Overdubs Rechnung zu tragen.<\/p>\n

Langue d’amour<\/em> t\u00f6nt elektronisch, ihre Stimme erz\u00e4hlt leicht verfremdet per Vocoder eine Geschichte, minimalistisches aus den diversen Ger\u00e4ten – spartanisch und reduziert auf das Wesentliche untermalt diese Geschichte und erst in der zweiten H\u00e4lfte gibt es dann noch st\u00e4rker verfremdet den gesungenen Refrain. Das Rhythmusbett f\u00fcr dieses St\u00fcck ist faszinierend. Was wie ein v\u00f6llig zuf\u00e4lliger Rumba-Rhythmus klingt, zieht sich durch das gesamte \u00fcber sechs Minuten lange Lied, ohne dass es eine Wiederholung gab. Der erste Satz war das minimale musikalische Bett, bestehend aus dem scheinbar unregelm\u00e4\u00dfigen Rhythmus mit einigen sp\u00e4rlichen Synthie-Patches, die \u00fcber die Landschaft wehten, und den elektronischen Muscheln<\/em>. Anderson erz\u00e4hlte in der ersten H\u00e4lfte des Lieds eine paradiesische Fabel, w\u00e4hrend der zweite Satz auf ihre Erz\u00e4hlung f\u00fcr Vocoder-Gesang verzichtete \u2026 auf Franz\u00f6sisch.<\/p>\n

Gravity’s Angel<\/em> dagegen pendelt zwischen Sprechen und Gesang, Bill Lawell legt darunter einen pr\u00e4gnanten Bass und schon geht es weiter bester Gabriel Manier, der diesen Titel auch produzierte und beim Refrain die zweite Stimme singt. Gravity\u2019s Angel<\/em> entlehnt Bilder von Thomas Pynchons \u201eGravity\u2019s Rainbow\u201c aus dem Jahr 1973. Anderson hatte \u201eaus diesem Buch eine Oper machen wollen \u2026 und fragte ihn, ob das in Ordnung w\u00e4re \u2026 Er sagte: \u201aSie k\u00f6nnen es tun, aber Sie k\u00f6nnen nur Banjo verwenden.\u2018 Und so dachte ich: \u201eNa ja, danke. Ich wei\u00df nicht, ob ich das so machen k\u00f6nnte.<\/p>\n

Kokoku<\/em> ist eine minimalistische Geschichte frisch aus Afrika – fragil und zerbrechlich mit japanischen Ch\u00f6ren von Amerikanerinnen gesungen! Im zweiten Teil mixt sie auch japanische Instrumente dazu – ein surreales Kleinod.<\/p>\n

Blue Lagoon<\/em> enth\u00e4lt Anspielungen auf andere Meeresgeschichten: William Shakespeares „Der Sturm“ und Herman Melvilles „Moby-Dick“ (ein Thema, das sie sp\u00e4ter wieder aufgreifen sollte). Es ist elektronischer Minimalismus aus perlenden Rhythmen und kurzen Phrasen. Dazu spielt sie diverse Samples aus dem Synclavier, die dem Titel abermals eine Dschungel, bzw. S\u00fcdseeathmossph\u00e4re verleihen.<\/p>\n

Abschlie\u00dfend afrikanischen Rhythmen \u00fcber die William S. Burroughts seine Erz\u00e4hlung Sharkey’s night<\/em> rezitiert. Ein St\u00fcck das am ersten Titel ankn\u00fcpft und den dramaturgischen Kreis schlie\u00dft. Ihrer Leidenschaft zu Multimedia-Spektakeln gibt sich Anderson in zahlreichen Projekten hin. In Deutschland pr\u00e4sentierte sie 1989 auf ihrer Tour Strange Angels<\/em> zum gleichnamigen Album nahezu alle Lieder sowie die Performance in deutscher Sprache:<\/p>\n

Ihren Klang. Ich verstehe die Sprachen<\/em><\/span>
\nIch verstehe die Sprachen nicht<\/em><\/span>
\nIch h\u00f6re nur Ihren Klang<\/em><\/span><\/p>\n

Die Ver\u00f6ffentlichung von Andersons erstem Post-Home of the Brave-Album, Strange Angels aus dem Jahr 1989, wurde um mehr als ein Jahr verschoben, damit Anderson Gesangsunterricht nehmen konnte. Dies lag daran, dass das Album (in Bezug auf den Gesang) musikalischer ausgerichtet war als ihre vorherigen Werke.<\/p>\n

Mit diesem Album versuchte sich Anderson von ihrem fr\u00fcherem Image als Performancek\u00fcnstlerin z<\/em>u l\u00f6sen und in einen eher musikalischen Bereich zu wechseln. Obwohl Musik immer Teil ihrer Performance gewesen war, stand sie nie so sehr im Vordergrund wie auf Strange Angels. Anderson sang auf diesem Album mehr als auf fr\u00fcheren Alben. Infolgedessen verz\u00f6gerte sich die Fertigstellung dieses Albums um fast ein Jahr, als Anderson beschloss, Gesangsunterricht zu nehmen; dabei entdeckte sie, dass sie Sopranistin war.<\/p>\n

Als Komponistin verf\u00fcgt sie \u00fcber die Gabe, Songs mit Melodien fernab vom Mainstream zu schreiben. Rundum fallen ihre Lieder stets etwas anders aus. Einer der Schwerpunkte bez\u00fcglich der Arrangements liegt bei der Percussionabteilung. Dann findet der H\u00f6rer sehr feinf\u00fchlig clever Songs, die mit wenigen Instrumenten auskommen und dennoch eine beeindruckende Atmosph\u00e4re ausstrahlen. Einige Tracks wurden gar ganz ohne Drums eingespielt und zusammen mit Bobby McFerrin<\/em> hat sie den Schmeichler „Ramon“ gesungen. Die Kombination aus Singen und emotional gesprochenen Worten hat eine unwiderstehliche Intensit\u00e4t und unter diesem Gesichtspunkt sollt man sich The Day The Devil<\/em> anh\u00f6ren. Hier gibt es flirrende Percussion, einen Chor mit Gospelfeeling und die vokale Akrobatik erzeugt eine G\u00e4nsehaut. Im Kontrast dazu gibt es in Babydoll<\/em> fetzige Bl\u00e4ser.<\/p>\n

\"\"

Walter Benjamin<\/p><\/div>\n

Einer der Songs auf diesem Album ist The Dream Before<\/em> (auch bekannt als „H\u00e4nsel und Gretel sind gesund und munter“). Dieser Song The Dream Before<\/em> enth\u00e4lt ein Zitat \u201eDer Engel der Geschichte<\/a>\u201c mu\u00df so aussehen. Er hat das Antlitz der Vergangenheit zugewendet. Wo eine Kette von Begebenheiten vor uns<\/em> erscheint, da sieht er<\/em> eine einzige Katastrophe, die unabl\u00e4ssig Tr\u00fcmmer auf Tr\u00fcmmer h\u00e4uft und sie ihm vor die F\u00fc\u00dfe schleudert. Er m\u00f6chte wohl verweilen, die Toten wecken und das Zerschlagene zusammenf\u00fcgen. Aber ein Sturm weht vom Paradiese her, der sich in seinen Fl\u00fcgeln verfangen hat und so stark ist, dass der Engel sie nicht mehr schlie\u00dfen kann. Dieser Sturm treibt ihn unaufhaltsam in die Zukunft, der er den R\u00fccken kehrt, w\u00e4hrend der Tr\u00fcmmerhaufen vor ihm zum Himmel w\u00e4chst. Das, was wir den Fortschritt nennen, ist dieser<\/em> Sturm.\u201c und zitiert Walter Benjamins Betrachtungen zu Pauls Klees Gem\u00e4lde Angelus Novus. Diese Alchemistin der Ambivalenz stolpert \u00fcber gro\u00dfe Wahrheiten und kleine Offenbarungen, verpackt diese oberfl\u00e4chlich geh\u00f6rt in Pop. Es ist bei weitem ihr eing\u00e4ngigstes Album und auch das charmanteste. Die Reaktionen auf Andersons neue Richtung waren gemischt.<\/p>\n

Einige Kritiker lobten ihren neuen Stil, andere warfen ihr vor, ihre Wurzeln in der Performancekunst aufzugeben, obwohl Anderson schon bald mit der Arbeit an einem gr\u00f6\u00dferen Werk mit dem Titel The Nerve Bible<\/em> begann.<\/span><\/p>\n

Das Album Bright Red setzt die poporientierte Richtung fort, die Anderson mit Strange Angels eingeschlagen hat. Das Album wurde von Brian Eno produziert (der auch mehrere Songs zusammen mit Anderson geschrieben hat und auf umfangreiche Erfahrungen mit den Talking Heads zur\u00fcckgreifen kann). es besteht formal aus zwei Teilen: \u201eBright Red\u201c und \u201eTightrope\u201c.<\/p>\n

Bright Red ist ein ausgereiftes, kunstvoll gestaltetes, Avantgarde-Konzeptalbum. Es ist gruselig, d\u00fcster und windringlich. Es ist irisierend und geschmeidig \u2013 ein reiner Ambient-Sound mit einigen starken perkussiven Backtrackings bei bestimmten Songs, w\u00e4hrend andere einen unheimlichen, funkelnden, hochmodernen, sauberen Studio-Synth-Sound bieten, man k\u00f6nnte meinen Brian Eno habe seine Arbeit an My life in a Bush of Ghosts<\/em><\/a> hier fortgesetzt. Dieses Konzeptalbum spiegelt eine selbstreferenzielle Welt<\/em> ebenso, wie ein sph\u00e4risches Konzept, bei dem die Songs thematisch \u00fcber das gesamte St\u00fcck hinweg miteinander verkn\u00fcpft sind. Bestimmte Worte und Ausdr\u00fccke werden wiederholt und hervorgehoben, um ein Netzwerk zu schaffen.<\/p>\n

Die erste H\u00e4lfte dieses Albums hei\u00dft \u201eBright Red\u201c, die zweite H\u00e4lfte \u201eTightrope\u201c und die beiden H\u00e4lften haben leicht unterschiedliche Themen, die sie voneinander unterscheiden, aber es gibt immer noch eine F\u00fclle von Verweisen zwischen den Songs, die das Ganze zu einem sehr verworrenen und zirkul\u00e4ren Konzeptalbum verbinden. Die zweite H\u00e4lfte des Albums wird pers\u00f6nlicher; weniger von dem \u00fcbergreifenden Du\/Ich-Verh\u00e4ltnissen, aber es gibt immer noch viele Verbindungen in den Songs, die den H\u00f6rer n\u00e4her heranziehen.<\/p>\n

Es beginnt mit Schlaginstrumenten, knackige, klaren Trommeln, Milit\u00e4r-Snare-Trommeln, Becken, Rimshots, Highhats, Toms \u2013 alles gespielt in einem sehr pr\u00e4zisen Muster, das zum Liedtext passen soll. Es gibt Stellen, an denen sie ihre Stimme auf eine \u00fcbertrieben gruselige Weise dramatisiert, die zwischen Furcht erregend und komisch schwankt. Gruselig<\/em> ist hier das Schl\u00fcsselwort. Viele der synthetischen Kl\u00e4nge auf dem Album sind unheimlich. Synthesizer erg\u00e4nzen die Trommeln nach dem ersten Refrain:<\/p>\n

Du<\/em> hast die ganze Zeit geredet \/ Und ich habe keinen Laut von mir gegeben \/ Und wenn ich meinen Mund aufgemacht h\u00e4tte, w\u00fcrde ich zu Boden fallen \/ Und wenn ich jetzt meinen Mund aufmachen k\u00f6nnte \/ Es g\u00e4be so viel, was ich sagen w\u00fcrde \/ Als k\u00f6nnte ich nie ehrlich sein \/ Als w\u00e4re ich dabei, um den Nervenkitzel zu erleben \/ Als h\u00e4tte ich nie jemanden geliebt \/ Und werde es nie tun.\u201c Dann erinnert sie sich an einen alten Mantel, den ihre Gro\u00dfmutter trug, \u201eaus Wieseln, die sich gegenseitig in die Schw\u00e4nze bei\u00dfen \/ Ein Teufelskreis, ein endloser Ritt \/ Auf dem R\u00fccken einer alten Frau.<\/em><\/span><\/p>\n

Das Motiv \u201ef\u00fcr immer zusammen\u201c und das Thema der Kreise sind hier wichtig. Dieses Lied gibt das Thema f\u00fcr das gesamte Album vor, was man im Hinblick auf eine CD sehen kann (dieses Album ist ausschlie\u00dflich einer CD ver\u00f6ffentlicht worden!), die ein Kreis ist, aber auch eine sehr lange Klangspirale, eine lange d\u00fcnne Klanglinie, die vom \u00e4u\u00dferen Rand der CD zum inneren verl\u00e4uft, und dieser \u201eTeufelskreis\u201c oder \u201eendlose Ritt\u201c, von dem sie singt, kann im Hinblick auf dieses Album gesehen werden. Der letzte Titel macht das auch deutlich, aber darauf kommen wir sp\u00e4ter zur\u00fcck. Wenn Sie sich nun die Texte ansehen, die im obigen Absatz zitiert wurden, werden Sie feststellen, dass dort eine deutliche, gruselige Bedrohung vorhanden ist.<\/p>\n

Du<\/em> wirst mich niemals loswerden. Wir sind <\/em>f\u00fcr immer<\/em> zusammengeklebt.<\/em><\/span><\/p>\n

Du<\/em> (der Adler) hast sie hochgehoben und sie (das Wiesel) hat zur\u00fcckgebissen. Das Wiesel stirbt, aber seine Z\u00e4hne sind so fest zusammengebissen, dass der Adler dazu bestimmt ist, f\u00fcr immer mit dem Sch\u00e4del des Wiesels im Hals herumzufliegen, oder zumindest bis er stirbt. Jetzt gehe ich hier etwas weiter in die Interpretation hinein. Was, wenn das \u201eDu\u201c in dem Lied Du, der Zuh\u00f6rer<\/em>, bist? Du<\/em> hast sie aufgegriffen (du nimmst buchst\u00e4blich die CD und kaufst sie) und sie bei\u00dft zur\u00fcck, und Du steckst f\u00fcr den Rest Deines Lebens in dieser mentalen Falle fest. Sie, Laurie Anderson, bei\u00dft Dich, den Zuh\u00f6rer<\/em>, wie das Wiesel den Adler bei\u00dft. Wie setzt sie diesen Biss an? – Der Biss<\/em> ist der n\u00e4chste Track.<\/p>\n

Bright Red ist eine Signalfarbe f\u00fcr \u201eGEFAHR\u201c oder \u201eWARNUNG\u201c. Dieses Songs machen es deutlich. Es wird angedeutet, dass das, was wir gleich h\u00f6ren werden, gef\u00e4hrlich ist. Dieses Gef\u00fchl der Bedrohung ist im Text zu h\u00f6ren:<\/p>\n

Komm her, kleines M\u00e4dchen \/ Steig ins Auto<\/em><\/span><\/p>\n

Dieser Song hat zwei S\u00e4nger, einen Mann und eine Frau, beide mit tiefen Stimmen, die jeweils ein oder zwei W\u00f6rter sprechen, um die S\u00e4tze des anderen zu vervollst\u00e4ndigen. Er ist zutiefst hypnotisch. Die Musik ist ein tranceartiges, funkelndes Ding mit einem sehr traurig klingenden Synthesizer dahinter. Die Qualit\u00e4t der Stimmen (wie bei jedem Song) ist warm, beruhigend, rein und ganz vorne im Mix.<\/p>\n

Das Puppet Motel<\/em> verwendet als Metapher eine Geschichte \u00fcber Internetnutzer. Wer ist das? Nur jeder<\/em>. Benutzer, die sich jeden Tag einloggen. Das Puppet Motel ist das Internet in der Metapher, aber im Bereich ihres Albums steht die Metapher f\u00fcr die Idee, dass Sie als Zuh\u00f6rer<\/em> in den Zimmern dieser Lieder wohnen. Und indem Sie das tun, erlauben Sie ihr, sich in Ihrem Kopf einzunisten, und erm\u00f6glichen ihr, zu kontrollieren, was Sie denken.<\/p>\n

Anderson l\u00e4dt ein, \u201emeine Sprache zu sprechen\u201c. Sie l\u00e4dt den H\u00f6rer ein, ihre<\/em> zu werden. Das ist Teil der Routine, die Pl\u00e4tze zu tauschen und in deinen Kopf einzudringen. Die Musik in diesem Song ist extrem verzweifelt \u2013 ein langsamer, trauriger, Synthesizersound. Es ist auch das zweite Mal, dass es einen leichten Crossover zwischen komisch und ernst gibt. Der Song enth\u00e4lt mehrere \u201eOohs\u201c und \u201eAhhs\u201c, die mit einer \u00fcbertriebenen Horrorfilmstimme vorgetragen werden. In diesem Track kehrt sie zu sich selbst zur\u00fcck. Nachdem sie Ihre Aufmerksamkeit auf eine Weise erregt hat, die Sie nicht einmal bemerken, ist sie jetzt hier, um Sie zum Kern ihres Albums zu f\u00fchren. Sie ist hier, um die Botschaft weiterzugeben, die eher sinnlich als semantisch ist, weil sie furchtbar kryptisch und furchtbar traurig ist. Es ist ihre Verzweiflung. Dies ist im Wesentlichen ihr Schrei der Verzweiflung, und sie pflanzt ihn direkt in Ihren Kopf. Sie zieht Sie auf ihre Seite. \u201eSprich meine Sprache\u201c, fl\u00fcstert sie mehrmals. In diesem Lied bezieht sie sich auf ihren Vater, was eine Verbindung zum n\u00e4chsten Lied darstellt.<\/p>\n

World Without End<\/em>\u2026 setzt ihre eigene Geschichte fort.<\/p>\n

Ich erinnere mich, woher ich kam \/ Es gab brennende Geb\u00e4ude und ein feuriges rotes Meer \/ Ich erinnere mich an alle meine Liebhaber \/ Ich erinnere mich, wie sie mich hielten \/ Welt ohne Ende \/ Erinnere dich an mich.<\/em><\/span><\/p>\n

Auch hier ist die Instrumentierung sinnf\u00e4llig, aber absolut und unwiderstehlich deprimierend. \u201eAls mein Vater starb \/ Wir haben ihn in die Erde gelegt \/ Als mein Vater starb \/ Es war, als ob eine ganze Bibliothek niedergebrannt w\u00e4re \/ Welt ohne Ende \/ Erinnere dich an mich.\u201c Und das f\u00fchrt mich zur zentralen Botschaft oder zum Kern des gesamten Albums; es dreht sich immer um diese Idee von \u201eErinnere dich an mich\u201c. Das Thema kehrt immer wieder zur\u00fcck. Aber sie bittet nicht nur darum, in Erinnerung zu bleiben, sie macht es Ihnen unm\u00f6glich, sich nicht an sie zu erinnern. Sie hinterl\u00e4sst Ihnen als Zuh\u00f6rer die<\/em> Vorstellung, dass sie f\u00fcr immer bei Ihnen sein wird, wenn Sie sie in die Hand nehmen.<\/em> Sie erstellt ein Dokument, das zu seiner Zeit nicht verstanden werden kann und wird. Es wird Jahre, vielleicht Jahrzehnte dauern, bis die Wirkung dieses Albums sp\u00fcrbar wird.<\/p>\n

Freefall<\/em> verwendet die Metapher des Tauchens und des Unterwasserseins, um Sie in ihre Botschaft einzutauchen. Es hat mehr Melodie und funktioniert mehr wie ein eigenst\u00e4ndiges Lied. Aber es hat auch eine sch\u00f6ne, klare, technologisch verbesserte Klangqualit\u00e4t. Es ist Musik, die das Gef\u00fchl des Unterwasserseins einfangen soll. Es ist schwer, es genau zu erkl\u00e4ren, aber wenn Sie schon einmal getaucht sind, f\u00e4ngt dies etwas von der Erfahrung perfekt ein. Sie hat sich hier alle M\u00fche gegeben, Sie nicht nur mit ihrem Text, sondern auch mit dem Klang unter Wasser zu bringen. Wundersch\u00f6ne Schlagzeugkl\u00e4nge. U-Boot-\u00e4hnliches Gepl\u00e4tscher. Delfinartiges Quietschen und eine tiefe, wackelige Synthie-Linie, etwas morbide, aber absolut fesselnd. Als w\u00fcrde man von einer Meerjungfrau verf\u00fchrt.<\/p>\n

Muddy River<\/em> klingt biblisch. Der Song ist d\u00fcster und wirkt prophetisch. Es geht um eine Flut, die den gr\u00f6\u00dften Teil der Erde auszul\u00f6schen scheint.<\/p>\n

\u00dcberall ist Schlamm \/ Fische schwimmen auf den Feldern \/ Alle rennen herum \/ Sie schreien \/ \u201aIst das das Ende der bekannten Welt?\u2018 \/ Und wenn der schlammige Fluss \/ Zu steigen beginnt \/ Bedeckt er uns alle \/ Aber wenn ich in deine Augen schaue \/ Zwei winzige Uhren \/ Zwei Kristallkugeln \/ Wir fangen wieder an, wir versuchen es \/ Wir fangen wieder an \/ Unten am schlammigen Fluss.<\/em><\/span><\/p>\n

Hier h\u00f6ren wir, dass die bereits zuvor erw\u00e4hnte Idee des \u201eWiederanfangens\u201c wieder aufgegriffen wird \u2013 die posthypnotische Suggestion, wieder anzufangen, von vorne anzufangen, diese CD wieder abzuspielen.<\/p>\n

Beautiful Pea Green Boat<\/em> nimmt das Nonsensgedicht von Edward Lear, The Owl and the Pussycat<\/em>, und macht daraus ein Lied. Das Nonsensgedicht besteht aus unverst\u00e4ndlichen W\u00f6rtern, aber es ist ein Gedicht, das mit einem sehr wichtigen Bild endet \u2013 einem Ring. Die Musik ist perkussiv, auch einige Gitarren und osteurop\u00e4isch klingende Konzertina.<\/p>\n

Love Among the Sailors<\/em> ist ein prophetische Untergangssong, diesmal \u00fcber eine Seuche.<\/p>\n

Ein hei\u00dfer Wind weht \/ Zieht \u00fcber die Ozeane \/ Und in jeden Hafen \/ Eine Seuche, eine schwarze Seuche \/ \u00dcberall lauert Gefahr \/ Und du bist gerettet \/ Du bist jetzt allein auf einer Insel \/ Schaltest ein \/ Hast du gedacht, so w\u00fcrde deine Welt enden \/ M\u00e4nner, Matrosen, Kameraden?<\/em><\/span><\/p>\n

Wieder bringt Anderson die Verzweiflung zur\u00fcck. Wieder versetzt sie den Zuh\u00f6rer<\/em>, in ihre Metapher; \u201eallein auf einer Insel, schalte ein\u201c. Anscheinend bist du gerettet. Rettet sie dich? Hat sie dich irgendwie gerettet, indem sie dich in ihre Welt gezogen hat, indem sie in deinen Geist eingedrungen ist?\u201c Musikalisch ist es ruhig und d\u00fcster.<\/p>\n

Es gibt jetzt kein reines Land \/ Keinen sicheren Ort \/ Komm mit uns in die Berge \/ M\u00e4nner, Matrosen, Kameraden<\/em><\/span><\/p>\n

Und dann ist es vorbei. Sehr morbide. Denken wir an den Rattenf\u00e4nger, der Kinder mit seiner Fl\u00f6te in die Berge lockte: \u201eKomm mit uns in die Berge.\u201c Sie l\u00e4dt Sie ein, mit ihr zu gehen, wo Sie sicher sind, nicht un\u00e4hnlich der Einladung damals in \u201eBright Red\u201c, ins Auto zu steigen, aber wo das gef\u00e4hrlich<\/em> war, wird sie Sie dieses Mal besch\u00fctzen. Sie sind so weit gekommen, sehen Sie, und Sie m\u00fcssen gerettet werden vor dem\u2026<\/p>\n

Poison<\/em> ist eine gruselige, knurrende, ged\u00e4mpfte Musik f\u00fcr die sp\u00e4te Nacht. Sie scheint hier f\u00fcr einen Ex-Liebhaber zu singen:<\/p>\n

Es war eine dieser N\u00e4chte, in denen die schwarze Katze rumsauste \/ Ich werde es nie vergessen \/ Wir hatten einen Streit \/ Du hast unser Bett verlassen \/ Dann bist du nach unten gezogen, um stattdessen bei ihr zu leben.<\/em><\/span><\/p>\n

Der Refrain lautet: \u201eHabe ich Gift getrunken \/ An das ich mich jetzt nicht mehr erinnere? \/ Habe ich Blut an den H\u00e4nden? \/ Nein, meine H\u00e4nde sind sauber. \/ Habe ich in einem anderen Leben etwas getan \/ Das wirklich, wirklich gemein war?\u201c Es ist nicht schwer, sich das \u201eIch\u201c in \u201eHabe ich<\/em> Gift getrunken\u201c als Sie als Zuh\u00f6rer vorzustellen.<\/em> Es ist, als ob Ihnen etwas passiert w\u00e4re, aber Sie wissen nicht, was. Etwas wie Gift ist in Sie eingedrungen, aber Sie merken es nicht.<\/p>\n

In our sleep \/ Where we meet \/ Listen to the drums beat \/ In our sleep.<\/em><\/span><\/p>\n

F\u00fcr In Our Sleep<\/em>\u2026 spannt Anderson Lou Reed ein, um die \u201eandere Stimme\u201c zu werden. Dieses Lied wurde als Single ver\u00f6ffentlicht und ist daher etwas gitarrenlastiger und liedhafter. Dennoch passt es gut zum \u00fcbergreifenden Thema. Wieder wechseln sich die m\u00e4nnlichen und weiblichen Stimmen ab. Denken Sie daran, dieses Album besteht fast ausschlie\u00dflich aus Perkussion \u2013 h\u00f6ren Sie sich diese Trommelschl\u00e4ge im Schlaf an \u2013 das hei\u00dft, in dem hypnoseinduzierten Schlaf, in dem Sie sich jetzt befinden, w\u00e4hrend man dieses Lied h\u00f6rt.<\/p>\n

Tightrope<\/em> nimmt die Form eines Traums an. W\u00e4hrend die erste H\u00e4lfte des Albums sich an jeden<\/em> Zuh\u00f6rer \u201eangeh\u00e4ngt\u201c haben k\u00f6nnte, h\u00e4ngt sich die zweite H\u00e4lfte an ihre Ex-Liebhaber (und \u00fcbrigens auch an ihren gegenw\u00e4rtigen Liebhaber \u2013 Lou Reed, der mit ihr auf \u201eIn Our Sleep\u201c im Duett singt). Dieser Song balanciert (balanciert auf einem Drahtseil?) zwischen brillant zwischen komisch und extrem gruselig. Hier gibt es einen \u201eKlapperschlangen\u201c-Soundeffekt, der seinen Schwanz durch die Musik sch\u00fcttelt, was in Bezug auf zus\u00e4tzliche Gruseligkeit sehr effektiv ist. Sie beschreibt einen Traum, in dem ihre Familie einen Freizeitpark betreibt. Jede Fahrt ist ein Teil ihres Lebens. Ihre Gro\u00dfmutter verkauft Zuckerwatte. Und da ist ein riesiges Riesenrad (wahrscheinlich Coney Island)<\/em>, drau\u00dfen auf dem Meer (das Meer ist auf dem ganzen Album allgegenw\u00e4rtig) und auf diesem Riesenrad fahren\u2026 Die Schlussworte des Albums lauten:<\/p>\n

Now me in you \/ Without a body move \/ And in our hearts we fly \/ Standby \/ Good Morning \/ Good Night.<\/em><\/span><\/p>\n

Morgen zur selben Zeit wartet neue Musik auf uns. An Jedem Tag. Immer und immer wieder, rundherum. Ein endloser Kreis, wie diese endlose Fahrt vom Opener Speechless<\/em> \u201eon the back of an old woman\u201c.<\/p>\n

Ich habe versucht, einfach zu sagen, was ich sehe. Es ist dunkel. Aber ich bin froh dar\u00fcber – heitere Lieder gibt es genug.<\/em><\/span><\/p>\n

Laurie Anderson<\/span><\/p>\n

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Laurie Anderson mit einer elektrisch verst\u00e4rkten Violine. Photo: Bert Hollestelle<\/p><\/div>\n

Der Titel des Albums Life on a String ist darauf zur\u00fcckzuf\u00fchren, dass Anderson wieder mit dem Geigenspiel begonnen hat, was sie mehrere Jahre lang nicht auf ihren Alben getan hat. Das Album erschien im Jahr 2001, zu diesem Zeitpunkt unterzeichnete Anderson einen neuen Vertrag mit einem anderen Warner Music-Label, Nonesuch Records. Life on a String ist eine Mischung aus neuen Werken (darunter ein Lied, das an den Tod ihres Vaters erinnert) und Werken aus der Moby-Dick-Pr\u00e4sentation. Das erkl\u00e4rt, warum so viele St\u00fccke vom Fischen und Walen und dem Meer handeln, was in ihrem experimentellen Performance-Kunst-Universum Leben und Liebe und Tod und Besessenheit und was nicht alles darstellen muss. Was es nicht erkl\u00e4rt, sind die Lieder \u00fcber Amerika und New York und zerbrochene Liebesbeziehungen, die wahrscheinlich immer noch Liebe und Tod und Besessenheit und was nicht alles darstellen, aber nicht so recht zu dem anderen Zeug passen. Abgesehen davon, dass Life<\/em> unzusammenh\u00e4ngend ist, kann es<\/em> sich musikalisch auch \u00fcberraschend vorhersehbar anf\u00fchlen, da Anderson bei ihrer vertrauten Palette aus neoklassischen Arrangements, Ambient-Elektronik und Gesang bleibt, der entweder engelsgleich harmonisiert oder trocken gesprochen ist. Life on a String hat seine Momente insbesondere Dark Angel<\/em>, eine \u00fcppige und schelmische Klassik-Jazz-Zusammenarbeit mit Van Dyke Parks, die das Herzst\u00fcck der CD bildet.<\/p>\n

1999 schuf Anderson eine Theatershow mit dem Titel Songs and Stories of Moby Dick<\/em>. Diese CD sollte Musik aus dieser Multimedia-Produktion enthalten. Aber sie hatte das Gef\u00fchl, dass sie aus dem Klassiker von Herman Melville kein angemessenes Album machen konnte, weil sie, in dessen F\u00fclle lesend untergegangen ist. Die Artistin stellt unter der Arbeit fest, dass sie eigentlich auf der Suche nach etwas anderem war, nachdem sie viele Monate in \u201estinkende alte Seeleute\u201c vertieft war, wie sie es nennt, und erkl\u00e4rte:<\/p>\n

Ich kann keine Sekunde l\u00e4nger im 19. Jahrhundert sein.<\/em><\/span><\/p>\n

Also beschloss die Artistin, von Grund auf etwas Neues zu schaffen, das ihre eigenen Erfahrungen widerspiegelte. Aber sie griff auch auf einige Elemente der Moby Dick<\/em> -Pr\u00e4sentation zur\u00fcck und engagierte den Musikdirektor der Show, den Bassisten Sk\u00fali Sverrison, f\u00fcr die meisten St\u00fccke. Als Co-Produzent der CD w\u00e4hlte sie Hal Hillner, der f\u00fcr seine bemerkenswert vielseitigen Tributalben mit mehreren K\u00fcnstlern in den 1980er und fr\u00fchen 1990er Jahren bekannt ist.<\/p>\n

Anderson hat schon immer Technologie in ihre Musik einflie\u00dfen lassen, auf Life on a String durchlief einen interessanten Prozess. Angefangen mit vielen technologischen Elementen wie Drumloops und Samples, entfernte Anderson diese Schichten nach und nach, um einige manchmal kahle oder \u00fcberraschende Arrangements wie ein Streichtrio zu hinterlassen.<\/p>\n

Auf dem Album ist auch eine eklektische Gruppe von Leuten zu h\u00f6ren, was angesichts der Neigungen von Anderson und Willner vielleicht nicht \u00fcberraschend ist. Unter den G\u00e4sten sind Dr. John, der Gitarrist Bill Frisell, der Jazz-Schlagzeuger Joey Baron und Lou Reed, der nur an der Gitarre zu h\u00f6ren ist. Obwohl es kein lyrisches Thema gibt, das sich durch das gesamte Album zieht, wie urspr\u00fcnglich vorgesehen, beschreibt Anderson die Qualit\u00e4t des Albums als \u201ewirklich d\u00fcster\u201c, und tats\u00e4chlich gibt es ein St\u00fcck, von dem sie behauptet, es sei direkt vom Film Noir<\/em> inspiriert. Andersons typischer gesprochener Gesang ist etwas weniger zu h\u00f6ren und mehr von ihrem Gesang. Der vielleicht auff\u00e4lligste instrumentale Unterschied zwischen diesem Album und den Vorg\u00e4ngern ist die Anwesenheit der Violine \u2013 von der Hinzuf\u00fcgung von Andersons elektrischem Instrument bis hin zu einem kompletten Streichorchester auf einem St\u00fcck.<\/p>\n

Andersons Werke sind immer experimentierfreudig gewesen, sei es mit High-Tech-Instrumenten oder ihrem unverwechselbaren Sprechgesang und nat\u00fcrlich ihren impressionistischen Texten von durchwachsener Qualit\u00e4t. Co-Produzent Hal Willner hat ohne Zweifel viel zu den eklektischen Arrangements und dem geschmackvollen Einsatz unerwarteter Instrumente und High-Tech-Elemente beigetragen. Andersons Lieder reichen von impressionistisch bis verspielt, und alle enthalten viele interessante Details, die beim aufmerksamen Anh\u00f6ren auf sich warten lassen, selbst nachdem Anderson sich dazu entschlossen hat, einige der bereits aufgenommenen Teile wegzulassen.<\/p>\n

Musikalisch ist Life on a String<\/em> weniger experimentell als Andersons fr\u00fchere Aufnahmen, auf denen sie mit verschiedenen mechanischen Kl\u00e4ngen (z.B. Telefonger\u00e4uschen), modifizierten Geigen und Synthesizern experimentierte. Einer der musikalisch experimentellsten Titel auf der Platte ist My Compensation<\/em>, der um computergenerierte Percussion-Programmierung und Sampling-Loops herum aufgebaut ist. Die meisten Songs drehen sich jedoch um die traurigen Kl\u00e4nge von Saiteninstrumenten, da Anderson auf diesem Album haupts\u00e4chlich auf die reduzierten Kl\u00e4nge von Geige, Gitarre, Cello und Bass setzt.<\/p>\n

Meine Haupt\u00fcbung bei dieser Platte war, Dinge wegzulassen.<\/em><\/span><\/p>\n

Im wahrsten Sinne des Wortes ist mit der Saite nat\u00fcrlich die Saite einer Geige oder eines Bogens gemeint. Das Booklet ist voller Fotos von Andersons auff\u00fchrungserprobten Geigen und B\u00f6gen mit ihrer gesamten elektrischen Ausstattung. Anderson-Fans werden sich freuen, einige der Instrumente zu sehen, die sie auf ihren Tourneen rund um die Welt mit sich gef\u00fchrt hat: den Viophonographen (eine Geige mit einem am Korpus montierten, batteriebetriebenen Plattenspieler und einer am Bogen befestigten Stereonadel), die Tape-Bow-Geige (die dort, wo der Steg sein sollte, einen Revox-Tonbandwiedergabekopf und einen Bogen hat, der mit einem Streifen bespielten Audiobands bespannt ist) und Andersons charakteristische wei\u00dfe Geige. Einige der eindrucksvollsten Fotos zeigen Geigen auf einem Haufen verhedderter Stromkabel. Tats\u00e4chlich sind diese Fotos sinnbildlich f\u00fcr Andersons Karriere als K\u00fcnstlerin, f\u00fcr ihr eigenes \u201eLeben an einem Faden\u201c (bestehend aus Schn\u00fcren, aus Elektrokabeln, B\u00f6gen und Geigen).<\/p>\n

Die Saiten sind jedoch nur ein Medium des k\u00fcnstlerischen Ausdrucks. W\u00e4hrend diese Instrumente ein wesentlicher Bestandteil von Andersons k\u00fcnstlerischem Ausdruck und Innovation sind, geht die Essenz dessen, was sie als K\u00fcnstlerin sucht und zu schaffen versucht, viel tiefer und geht \u00fcber die Materialit\u00e4t der Saiten hinaus. Im Titelsong sinniert sie:<\/p>\n

Manche Leute wissen genau, wohin \/ Sie gehen \/ Die Pilger nach Mekka \/ Die Bergsteiger zum Berggipfel \/ Aber ich suche \/ Nur einen einzigen Moment \/ Damit ich durch die Zeit gleiten kann.<\/em><\/span><\/p>\n

Als K\u00fcnstlerin war sie sie seit den 1970-er Jahren auf der Suche nach \u201eeinem einzigen Moment\u201c, den sie in Kunst verwandeln und auf ihrer musikalischen Leinwand festhalten kann. Sie wei\u00df nicht, was dieser \u201eeinzige Moment\u201c ist, und wahrscheinlich wird sie nie einen Moment finden. Vielmehr besteht Kunst aus vielen Momenten, die jedes Mal anders aufgef\u00fchrt werden. Jedes Mal, wenn ein Musikst\u00fcck aufgef\u00fchrt wird, jedes Mal, wenn eine bestimmte Geschichte erz\u00e4hlt wird, wird es unvermeidlich Variationen geben. Wie der Komponist John Cage argumentierte, k\u00f6nnten diese Variationen scheinbar so unbedeutend sein wie ein Husten eines Zuschauers oder ein Knarren einer Klavierbank. Die Auff\u00fchrung ist dynamisch und diese Ver\u00e4nderungen halten die Kunst sowohl f\u00fcr den K\u00fcnstler als auch f\u00fcr den Zuh\u00f6rer interessant und lebendig.<\/p>\n

Die Erz\u00e4hlungen, aus denen sich Life on a String zusammensetzt, bestehen aus emotional schmerzhaften Momenten. Auf diesem Album gibt es nicht viel von dem Humor, den wir auf Andersons anderen Platten finden. Aus diesem Grund k\u00f6nnten einige argumentieren, dass Anderson Verlust und sogar Tod sentimentalisiert, da diese Momente immer eine Offenbarung \u00fcber das Individuum oder einen Einblick in die menschliche Verfassung mit sich zu bringen scheinen. Broken<\/em> f\u00e4ngt beispielsweise einen Moment in einer Beziehung ein, in dem die S\u00e4ngerin erkennt, dass die \u201eHitze\u201c aus der Beziehung verschwunden ist:<\/p>\n

Schweigen kann etwas Sch\u00f6nes sein \/ Aber nur, wenn es mit einem freundlichen Wort gebrochen werden kann \/ Mit einem sanften Wort \/ Mit einem Wort. Unausgesprochen bleibt: Unsere Liebe liegt gebrochen.<\/em><\/span><\/p>\n

In der Vergangenheit hat Anderson die H\u00f6rer oft aus der Fassung gebracht, indem er diesen deprimierenderen Momenten etwas Skurriles entgegensetzte, etwas, das uns zum Lachen brachte. Hier nicht. Die Dinge scheinen trostlos. Wenn diese Albernheit an die Oberfl\u00e4che kommt, wie in One Beautiful Evening<\/em>, scheint sie oft fehl am Platz. In diesem Song wiederholt Anderson die Worte eines bekannten Kinderliedes:<\/p>\n

I’m a little teapot short and stout \/ Tip me over and pour me out.<\/em><\/span><\/p>\n

Die fr\u00f6hlichen Kl\u00e4nge von \u201ehey hey nonny nay\u201c werden durch \u201eIt’s another blue day in a nowhere place\u201c untergraben. Anderson ist also an manchen Stellen sicherlich ironisch, aber die Ironie ist d\u00fcster.<\/p>\n

In Dark Angel<\/em> bekommt eine K\u00fcnstlerin Besuch von ihrer Muse, dem \u201edunklen Engel\u201c. Verloren in einem leeren Materialismus beklagt sich die K\u00fcnstlerin \u00fcber \u201eall die neuen Maschinen\u201c, die \u201ealle brandneu sein sollen, aber alle gleich aussehen\u201c. Ironischerweise \u00fcberdenkt die K\u00fcnstlerin, deren Arbeit Begeisterung f\u00fcr Technologie und die k\u00fcnstlerischen M\u00f6glichkeiten geweckt hat, ihre Investition in Technologie und den \u201eOooh, ahhh\u201c-Effekt einer raffinierten Produktion.<\/p>\n

Schau dir all die Dinge an, die ich gekauft habe \/ Ich kann nicht glauben, was sie kosten \/ Nur eine Menge Plastik und Zahlen auf meiner Kreditkarte<\/em><\/span><\/p>\n

Es ist wirklich nur eine Menge Schnickschnack. Andersons Ironie kommt wieder zum Vorschein, als der dunkle Engel ihr sagt:<\/p>\n

Achte nur darauf, dass du einen Bleistift verwendest \/ Damit du es immer\u2026 du wei\u00dft schon\u2026 richtig hinbekommst<\/em><\/span><\/p>\n

Nat\u00fcrlich kann sogar ein so \u201eprimitives\u201c technisches Instrument wie ein Bleistift den Ausdruck behindern. Als Werkzeug kann es die Essenz der Kunst (den tr\u00fcgerischen Moment) nicht besser einfangen als die neueste Innovation in der Computersoftware. \u201eEs ist eine kleine Welt voller Licht\u201c, sagt uns der Engel, \u201eaber ich m\u00f6chte sie nicht malen m\u00fcssen\u201c. Er fliegt davon und l\u00e4sst die K\u00fcnstlerin allein, damit sie mit ihrer Arbeit fortfahren kann. Er l\u00e4sst ihr einen weiteren Moment, um ihre Fantasie anzuregen, aber der \u201eeinzelne Moment\u201c bleibt knapp au\u00dferhalb ihrer Reichweite.<\/p>\n

That stretched into the distance
\nAnd you and I were walking there
\nLost in the moment
\nLife on a string<\/em><\/span><\/p>\n

Musikalisch ist Life on a String<\/em> beeindruckend. Die eindringlichen Melodien und Streicherarrangements verst\u00e4rken die nachdenkliche Stimmung der CD und lassen uns an den Tr\u00e4umen des K\u00fcnstlers \u00fcber emotionalen Schmerz und die Abh\u00e4ngigkeit der Kunst von solchen schmerzhaften Erfahrungen teilhaben. Ihr poetisch-entschleunigter Stil taucht ab in abstrakte harmonische Tiefen. Es regt zum Nachdenken an und ist seltsam inspirierend, weil es dabei helfen kann, Verlust zu verstehen und Einblick in scheinbar un\u00fcberwindliches Leid zu geben. Obwohl das Album vor den Anschl\u00e4gen vom 11. September 2001 ver\u00f6ffentlicht wurde, scheinen einige der Songs im Lichte dieser Ereignisse mehr Sinnzusammenh\u00e4nge offen zu legen. Am gruseligsten und prophetischsten ist \u201eStatue of Liberty\u201c, das nach dem 11. September besonders ergreifend ist: \u201eFreiheit ist eine be\u00e4ngstigende Sache \/ Nicht viele Menschen wollen sie.\u201c Wie bei fast allen Arbeiten von Anderson geht es nicht um multimediale Manipulationen, vielmehr um eine Verf\u00fchrung zu einem erweiterten Einf\u00fchlungsverm\u00f6gen, einem erweiterten Horchen.<\/p>\n

\n
\n

Laurie Anderson\u2019s collaboration with the San Francisco-based string quartet presents a powerful, elegiac cycle of songs that show how human memory can be stronger than catastrophe.<\/em><\/span><\/p>\n

Jenn Pelly<\/span><\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n

Sowohl Anderson, eine durch und durch New Yorkerin, als auch das Kronos Quartet aus San Francisco sind seit den 1970er Jahren eifrige Vernehmungsk\u00fcnstler der amerikanischen Macht. In der klassischen Musik stellte Kronos die Dominanz europ\u00e4isch-amerikanischer Komponisten in Frage und untersuchte Weltmusik, Rock und Jazz. Manchmal spielten sie mit Projektionen von Occupy und dem Arabischen Fr\u00fchling im Hintergrund oder arbeiteten mit dem linken Historiker Howard Zinn zusammen. In einem Interview von 2014 sagte Kronos-Gr\u00fcnder David Harrington: \u201eVon allen Streichquartetten der Welt werde ich die umfangreichste FBI-Akte haben.\u201c Aber die gr\u00f6\u00dfte Verbindung zwischen Anderson und Harrington ist vielleicht ihre F\u00e4higkeit, in die Zukunft zu sehen.<\/p>\n

„Homeland‘ isn’t so much an album as it is a poetic capturing of the still moments of a restless mind.“<\/p>\n

Margaret Wappler, LA Times<\/p>\n

Harrington tr\u00e4umte jahrzehntelang von einer Zusammenarbeit mit Anderson. Aber erst nach der Ver\u00f6ffentlichung von Andersons LP Homeland<\/em> im Jahr 2010 begann Landfall Gestalt anzunehmen, zun\u00e4chst als Live-Auftritt auf Reisen und jetzt als 30-Track-Album von epischem Ausma\u00df. Landfall, von Anderson komponiert und mit ihrem gesprochenen Wort, ist<\/em> ein Zyklus von Liedern, die die verheerenden Folgen des Hurrikans Sandy durch ihre Augen beobachten. Obwohl ein Gro\u00dfteil von Landfall geschrieben wurde ,<\/em> bevor der drittschwerste Sturm in der Geschichte der USA im Oktober 2012 die Ostk\u00fcste verw\u00fcstete, dominiert Sandy dieses intensive Werk. Es ist der Sound einer typischen New Yorkerin, die eine New Yorker Trag\u00f6die verarbeitet, etwas aus den traurigen Tr\u00fcmmern rettet, die Tr\u00fcmmer eines kreativen Lebens verinnerlicht und zeigt, wie das menschliche Ged\u00e4chtnis st\u00e4rker sein kann als eine Katastrophe.<\/p>\n

Die elegischen St\u00fccke von Landfall<\/em> , die meisten nicht l\u00e4nger als zwei oder drei Minuten, sind episodische Fragmente, die abrupt abbrechen k\u00f6nnen, wie Fotos mit eingerissenen oder durch Wasser besch\u00e4digten R\u00e4ndern. Dies verleiht Landfall<\/em> eine Dynamik und eine leicht schiefe Anmut. Diese St\u00fccke haben eine himmlische Reichweite, als h\u00e4tte Anderson einen neuen Kosmos komponiert, in dem L\u00fcgen nicht verborgen, sondern blo\u00dfgelegt werden; in dem wir entschl\u00fcsseln k\u00f6nnen, was real ist. Andersons klares gesprochenes Wort verbindet sich mit der klagenden Eleganz des Quartetts, um die Schwere einer Katastrophe, einer seismischen Bewegung und einer d\u00fcsteren Erwartung darzustellen, und das alles mit einer sanften Unmittelbarkeit. Mit \u201eOur Street Is a Black River\u201c beginnt Anderson ihre Geschichte: \u201eVon oben war Sandy ein riesiger Wirbel, der aussah wie Galaxien\u201c, stellt sie fest und f\u00e4hrt in ihrer ikonischen Art fort, \u201ederen Namen\u201c \u2013 Pause<\/em> \u2013 \u201eich nicht kannte.\u201c<\/p>\n

Andersons r\u00e4umliche Phrasierungen vermitteln ein Gef\u00fchl der Best\u00e4ndigkeit in einer zunehmend prek\u00e4ren Welt. Sie spricht nur auf einer Handvoll Tracks, aber ihre ausgedehnten Pausen sind wie tiefe Atemz\u00fcge inmitten des anstrengenden Verarbeitungsvorgangs. Hier steigert das Kronos Quartet ihre Pausen zu k\u00fchner Wirkung, indem es manchmal die Form von Drones, Ragas oder gekr\u00fcmmten Fragezeichen nachahmt, manchmal durch Elektronik erg\u00e4nzt. Anderson \u2013 die einst die Maxime \u201eSprache ist ein Virus\u201c von William S. Burroughs in ein Lied verwandelte \u2013 hat in Kronos fantastische Mitarbeiter gefunden, die so viel ohne Sprache sagen k\u00f6nnen, wenn die Sprache versagt. Auf \u201eThe Electricity Goes Out and We Move to a Hotel\u201c gibt es keine Worte, sondern nur wirbelndes, paddelndes, unwillk\u00fcrliches Bewegen; es ist eine resignierte Prozession; man muss in Bewegung bleiben.<\/p>\n

In \u201eEverything Is Floating\u201c beschreibt Anderson deutlich, wie es sich anf\u00fchlte, nach Sandy in ihren \u00fcberschwemmten Keller in der Innenstadt hinabzusteigen und den Dreck von Tastaturen und Projektoren, Papieren und B\u00fcchern zu sehen, \u201eall die Dinge, die ich mein ganzes Leben lang sorgf\u00e4ltig aufbewahrt hatte \u2026 die zu nichts als M\u00fcll wurden.\u201c Mit dieser d\u00fcsteren, dramatischen und doch friedlichen Musik beschw\u00f6rt sie eine weitere Maxime ihres buddhistischen Lehrers Mingyur Rinpoche, die sie oft wiederholt hat: \u201eF\u00fchl dich traurig, ohne wirklich traurig zu sein.\u201c Dies ist ein \u00dcberlebenshandbuch, und vielleicht ist es auch \u201eLandfall \u201c.<\/em><\/p>\n

Landfall<\/em> scheint viele von Andersons Lebensthemen zu synthetisieren: Sprache, Technologie, Amerikas gigantische Nachteile. Und all das vereint sich in \u201eNothing Left but Their Names\u201c, einem erstaunlichen neuneinhalbmin\u00fctigen Monolog in Andersons klassischem, heruntergestimmten Gesangsstil. Sie katalogisiert ausgestorbene Arten wie Fleckenechsen, Mastodonten und viele Arten von Faultieren. Ihre Meditation wandert durch die Vorstellungskraft der Worte und wie diese der Erfahrung selbst \u00fcberlegen sein k\u00f6nnen. Doch Anderson endet, tiefgr\u00fcndig, beim Mond und den Sternen. \u201eWissen Sie, warum ich die Sterne wirklich liebe?\u201c, fragt Anderson. \u201eWeil wir ihnen nicht wehtun k\u00f6nnen. Wir k\u00f6nnen sie nicht verbrennen. Wir k\u00f6nnen sie nicht schmelzen oder zum \u00dcberlaufen bringen. Wir k\u00f6nnen sie nicht \u00fcberfluten oder in die Luft sprengen \u2026 Aber wir greifen nach ihnen.\u201c Wenn Naturkatastrophen mit den schlimmsten Seiten der Menschheit einhergehen \u2013 Gier, Konsum und gewaltt\u00e4tigen M\u00e4nnern, die daf\u00fcr sorgen, dass die Treibhausgasemissionen die Atmosph\u00e4re neu verdrahten; die Kr\u00e4fte der Zerst\u00f6rung, die die Natur in sich selbst verbrennen lassen \u2013 zumindest haben wir noch die Sterne.<\/p>\n

Manchmal m\u00fcssen Frauen zeigen, dass sie k\u00f6nnen, was M\u00e4nner k\u00f6nnen. Und manchmal m\u00fcssen sie zeigen, dass ihnen etwas gelingt, was noch kein Mann gewagt hat.<\/em><\/span><\/p>\n

Amelia Earhart<\/span><\/p>\n

Im Fr\u00fchjahr wurde Laurie Anderson f\u00fcr ihr Lebenswerk mit dem Grammy Lifetime Achievement Award 2024 ausgezeichnet, nun hat die ikonische US-K\u00fcnstlerin die Ver\u00f6ffentlichung eines neuen Albums ver\u00f6ffentlicht. Es tr\u00e4gt den Titel Amelia<\/em>, erscheint \u00fcber Nonesuch Records und ist ihr erstes seit Landfall<\/em> im Jahr 2018.<\/p>\n

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Amelia Earhart steht neben einem Sicherheitsflugzeug vom Typ Merrill CIT-9, Aufnahme aus dem Jahr 1928<\/p><\/div>\n

Der Titel ihres neuen Albums, bezieht sich auf die ber\u00fchmte Flugpionierin Amelia Earhart. Auf den 22 Tracks des Albums widmet sich Anderson ihrem tragischen letzten Flug im Jahr 1937. Anderson schrieb Musik und Texte f\u00fcr dieses subjektive Erz\u00e4hlwerk. Auf dem Album wird sie von dem tschechischen Orchester Filharmonie Brno unter der Leitung von Dennis Russell Davies begleitet, au\u00dferdem wirken die K\u00fcnstler Anohni, Gabriel Cabezas, Rob Moose, Ryan Kelly, Martha Mooke, Marc Ribot, Tony Scherr, Nadia Sirota und Kenny Wollesen mit.<\/p>\n

Das Album Amelia<\/em> wirkt an vielen Stellen wie ein vertonter Dokumentarfilm, man h\u00f6rt der Pilotin gleichsam beim Existieren zu. Anderson schildert Earharts Flug, der sie zur ersten Frau gemacht h\u00e4tte, die die Welt umrundet, und geht mit akribischer Detailtreue und einer Mischung aus Ehrfurcht und Staunen an ihr Thema heran. Der kurze Opener To Circle the World<\/em> beginnt mit dem Ger\u00e4usch eines Flugzeugs vor einem dramatischen Hintergrund und enth\u00e4lt auch eine dramatische Erz\u00e4hlung von Anderson:<\/p>\n

Am besten erinnere ich mich an das Motorenger\u00e4usch \/ Start am 20. Mai 1937 \/ Oakland, Kalifornien.<\/em><\/span><\/p>\n

1932 wagte Amelia Earhart ihr gr\u00f6\u00dftes Abenteuer: F\u00fcnf Jahre nach Charles Lindbergh \u00fcberquerte sie als erste Frau den Atlantik im Alleinflug. Sie startete am 20. Mai 1932 von Neufundland in Richtung Paris in einer modifizierten Lockheed Vega 5B (Kennzeichen NR7952). Aufgrund schlechten Wetters und technischer Probleme erreichte sie Paris jedoch nicht, sondern musste bereits in der N\u00e4he von Derry (Nordirland) notlanden. F\u00fcr diesen Flug, durch den sie auch zum ersten Menschen wurde, der zweimal den Atlantik \u00fcberflogen hatte, erhielt sie von Pr\u00e4sident Herbert C. Hoover die Goldmedaille der National Geographic Society. Zudem wurde ihr als erste Frau das Distinguished Flying Cross verliehen. In ihrer Dankesrede meinte sie lakonisch:<\/p>\n

Einige Aspekte des Fluges sind \u00fcbertrieben dargestellt worden, f\u00fcrchte ich. Es war viel spannender zu schreiben, ich sei mit den letzten Litern Treibstoff gelandet. Tats\u00e4chlich hatte ich noch \u00fcber vierhundert (Liter). Und ich habe bei der Landung keine Kuh get\u00f6tet \u2013 es sei denn, eine w\u00e4re vor Angst gestorben.<\/em><\/span><\/p>\n

Als Vorsitzende der Ninety Nines trat Earhart unerm\u00fcdlich f\u00fcr ihre feministischen Ziele ein und nutzte ihre Popularit\u00e4t, um gegen das traditionelle Erziehungssystem zu opponieren, das \u201edie Menschen weiterhin nach ihrem Geschlecht einteilt\u201c. Sie betont immer wieder, dass es ihr mit ihren wagemutigen Rekordfl\u00fcgen auch darum ging, zu beweisen, dass Frauen zu technischen H\u00f6chstleistungen in der Lage seien. Sie setzten sich daher immer wieder daf\u00fcr ein, dass Frauen ihre Zulassung an technischen Hochschulen erhielten. Als Gastdozentin der Purdue University in Lafayette half sie Grundlagen zu erarbeiten, um junge Frauen in der Luftfahrt zu f\u00f6rdern. Sie unterst\u00fctzte auch junge Frauen bei der Berufswahl und half ihnen, in technischen Berufen Fu\u00df zu fassen.<\/p>\n

Die Hommage auf ihrem neuen Album Amelia ist ein Spiel mit der Zeit, allerdings im umgekehrten Sinne, indem es die letzten 44 Tage von Amelia Earharts Leben auf 35 Minuten komprimiert. Es ist eine fiktive Nacherz\u00e4hlung des ungl\u00fccklichen Versuchs des Piloten im Jahr 1937, die Welt zu umrunden, und im Wesentlichen die Chronik eines vorhergesagten Absturzes. Schon beim ersten Motorenger\u00e4usch, das das Album er\u00f6ffnet und wie ein Luftkampf im Zweiten Weltkrieg klingt, wissen wir genau, wie diese Geschichte enden wird: mit dem Verschwinden der 39-j\u00e4hrigen Abenteurerin, Technologin und feministischen Pionierin irgendwo \u00fcber dem Pazifik; eine moderne Legende besagt, sie sei von Aliens entf\u00fchrt worden.<\/p>\n

Earhart war eine leidenschaftliche Pionierin der fr\u00fchen Luftfahrt und erlangte Ber\u00fchmtheit als erste Frau, die 1932 den Atlantik \u00fcberquerte. F\u00fcnf Jahre sp\u00e4ter brach sie zu einem Flug um die Welt auf. Ihr Ziel: Als erster Mensch die Erde am \u00c4quator zu umrunden. Es sollte eine Reise ohne Wiederkehr werden, denn ihr Flugzeug verschwand spurlos und wurde trotz einer gigantischen Suchaktion \u2013 64 Flugzeuge und 8 Kriegsschiffe waren an der bis dahin gr\u00f6\u00dften in der Geschichte der Luftfahrt beteiligt – nie gefunden.<\/p>\n

Die Worte in Amelia sind inspiriert von ihren Pilotentageb\u00fcchern, den Telegrammen, die sie an ihren Mann schrieb, und meiner Vorstellung davon, wor\u00fcber eine Frau, die um die Welt fliegt, nachdenkt.<\/span><\/em><\/p>\n

Laurie Anderson<\/span><\/p>\n

Kenner des k\u00fcnstlerischen Werk von Anderson wissen, dass es das Projekt schon seit vielen Jahren gibt. Es wurde bereits im Jahr 2000 in der New Yorker Carnegie Hall uraufgef\u00fchrt und war zuletzt in aktualisierter Form an verschiedenen Orten in Europa zu sehen.<\/p>\n

Anderson nutzt mehrere Perspektiven, um Earharts Geschichte zu erz\u00e4hlen. V\u00f6llig objektive Logbuchdaten flie\u00dfen in fiktionalisierte Tagebucheintr\u00e4ge ein (\u201eAm meisten erinnere ich mich an das Ger\u00e4usch des Motors\u201c). Telegramme (\u201eFred kann seine Chronometer nicht einstellen. Stopp. Pers\u00f6nliche Untauglichkeit. Stopp. Es sieht schlecht aus f\u00fcr die Ankunft in Oakland am 4. Juli, Stopp. Stopp.\u201c) wechseln sich mit Erz\u00e4hlungen aus der dritten Person ab, die mit dem k\u00fchlen, objektiven Ton eines Enzyklop\u00e4die-Eintrags vorgetragen werden. Anderson verwendet unterschiedliche Gesangsstile und Register, um diesen sich \u00fcberschneidenden Perspektiven gerecht zu werden, w\u00e4hrend Anohni, der \u00fcber einen Vocoder singt, den Wellen und dem Wind eine Stimme verleiht.<\/p>\n

Anderson hat dar\u00fcber gesprochen, wie sehr sie von Earharts Geschichte ber\u00fchrt wurde, aber weder die Texte noch die Musik vermitteln unbedingt viel vom Pathos in Earharts Leben. Es gibt viele Momente des Staunens in Andersons fantasievoller Reihe weitl\u00e4ufiger W\u00fcsten und glitzernder Meere und gelegentliche Aufflackern des Schreckens:<\/p>\n

Habe die Fallschirme heute nach Hause geschickt \/ Sollte sie nicht mehr brauchen… Nicht \u00fcber dem offenen Ozean, wo es keinen Platz daf\u00fcr gibt Land<\/em><\/span><\/p>\n

Aber ich hatte selten eine genaue Vorstellung davon, wer Earhart war oder wie sie sich f\u00fchlte. Vielleicht liegt das daran, dass man Andersons Stimme mit einer gewissen klinischen Distanz verbindet, mit der ge\u00fcbten Ironie eines Songs wie In the Air<\/em> von Big Science. Selbst wenn sie Earharts N\u00f6te zum Ausdruck bringt \u2013 \u201eSo hei\u00df\u201c, beschwert sie sich, w\u00e4hrend sie \u00fcber die W\u00fcste fliegt und sich zur Betonung wiederholt \u2013, f\u00fchlt es sich weniger wie ein aufschlussreicher innerer Monolog als wie eine Gedankenblase in einer Graphic Novel an.<\/p>\n

Das Album weist gelegentlich auf gr\u00f6\u00dfere Themen und umfassendere Ausblicke hin. Wenn Fotografen \u201eLady Lindy!\u201c rufen \u2013 eine Anspielung auf ihren Rivalen, den Flieger Charles Lindbergh \u2013, meckert sie: \u201eIch habe nicht einmal meinen eigenen Namen\u201c, aber damit besch\u00e4ftigt sich Anderson in etwa mit den feministischen Implikationen von Earharts Geschichte. Kurz darauf \u00f6ffnet sich die Perspektive weit und die introspektive Bitte des Piloten:<\/p>\n

Woher habe ich diese Besessenheit, mich gegen den Himmel zu werfen?<\/em><\/span><\/p>\n

Die wir Anderson bereits fr\u00fcher mit Zitaten gespielt hat, finden wir von Shakespeare \u201eFull fathom five thy Father lies\u201c und Allen Ginsberg \u201eAmerika, warum sind eure Bibliotheken voller Tr\u00e4nen?\u201c \u2013 eine Zeile, die erst 19 Jahre nach Earharts letztem Flug geschrieben wurde.<\/p>\n

\u201eWas ist das f\u00fcr ein Ger\u00e4usch?\u201c fragt Anderson, als w\u00fcrde sie ein Gespr\u00e4ch mit Ginsberg beginnen. \u201eJeder wei\u00df, was los ist. Amerika\u2026\u201c F\u00fcr einen verlockenden Moment sind wir zur\u00fcck auf dem vertrauten, ehrgeizigen Terrain so vieler Werke Andersons: dem Zerfall des Imperiums, dem Erstarren des amerikanischen Traums, dem sich erw\u00e4rmenden Planeten und den steigenden Meeren. Aber es ist ein fl\u00fcchtiger Eindruck, und wir kehren schnell zum letzten Kapitel von Earharts Geschichte zur\u00fcck: dem gescheiterten Rendezvous mit dem K\u00fcstenwache-Kutter Itasca und dem anschlie\u00dfenden Verschwinden von Earhart. W\u00e4hrend die Pilotin den Schatten ihres Flugzeugs auf dem herannahenden Wasser beobachtet, sind Earharts letzte Worte dieselben wie die, die das Album er\u00f6ffnen:<\/p>\n

Es war das Ger\u00e4usch des Motors, an das ich mich am meisten erinnere.<\/em> Was folgt, ist nur das Ger\u00e4usch pl\u00e4tschernder Wellen.<\/span><\/p>\n

Amelia ist ein anmutiger, h\u00f6chst \u00fcberzeugender und rundum gelungener Versuch, ein wichtiges historisches Ereignis mit W\u00fcrde und Eloquenz musikalisch zu interpretieren. Laurie Anderson ist eine der k\u00fcnstlerisch bedeutendsten K\u00fcnstlerinnen des letzten halben Jahrhunderts, und es ist nur passend, dass eine ihrer st\u00e4rksten Platten seit Jahrzehnten eine Hommage an eine Pionierkollegin ist.<\/p>\n

Laurie Anderson setzt ihren experimentellen Ansatz fort. Der Einsatz der Stimme als Quasi-Instrument unterscheidet sich gl\u00fccklicherweise vom schablonenhaften Kunstfalsett des Autotune. Die Trauerarbeit im Gedanken an Amelia Earhart erf\u00e4hrt durch die Unterst\u00fctzung Filharmonie Brno eine abstrakte und gew\u00f6hnungsbed\u00fcrftige Form.<\/em><\/span><\/p>\n

Wie dieser Rezensionsessay aufzeigt, leistet Anderson seit mehr als vier Jahrzehnten kreative Pionierarbeit und gilt nicht umsonst als eine der bekanntesten \u2013 und mutigsten \u2013 zeitgen\u00f6ssischen K\u00fcnstlerinnen Amerikas. Ihr Werk, das Musik, bildende Kunst, Poesie, Film und Fotografie umfasst, fordert und begeistert auch weiterhin ein weltweites Publikum immer wieder aufs Neue. In einem k\u00fcrzlich erschienenen \u00b460 Minutes`-Profil sagte sie zu Anderson Cooper, sie sei \u201eeine Pionierin der Avantgarde\u201c, aber… das beschreibt nicht ann\u00e4hernd, was sie schafft. Ihre Werke werden nicht in Galerien verkauft. Sie werden vom Publikum erlebt, das zu ihren Performances kommt: Sie singt, erz\u00e4hlt Geschichten und spielt seltsame Geigen, die sie selbst erfunden hat… Sie mischt das Sch\u00f6ne mit dem Bizarren, fordert das Publikum mit Predigt und Humor heraus. Sie verwischt die Grenzen zwischen Musik, Theater, Tanz und Film\u201c.<\/p>\n

Einer der Schl\u00fcssel zu Andersons Erfolg als K\u00fcnstlerin ist die F\u00e4higkeit, alte Muster aufzunehmen, diese jedoch anders auszudeuten. Ihre Alben stehen f\u00fcr sich selbst und existieren als k\u00fcnstlerische Objekte, die von ihren Auftritten getrennt sind. Sicherlich verleihen Andersons Auftritte \u2013 multimediale Kombinationen aus Film, Musik, Tanz und verbalem Geschichtenerz\u00e4hlen \u2013 den Liedern, die wir auf den Alben h\u00f6ren, eine neue Dimension und vertiefen unsere Wertsch\u00e4tzung f\u00fcr ihre Arbeit.<\/p>\n

Laurie Anderson ist eine Pionierin der Avantgarde.<\/span><\/p>\n

Zu den j\u00fcngsten Ausstellungen und Installationen von Andersons Werken z\u00e4hlen Habeas Corpus<\/em> in der Park Avenue Armory in New York, ihre bislang gr\u00f6\u00dfte Ausstellung The Weather<\/em> im Smithsonian’s Hirshhorn Museum of Modern Art in Washington, D.C., und ihre bis dato gr\u00f6\u00dfte Ausstellung in Europa, Looking into a Mirror Sideways<\/em> im Moderna Museet in Stockholm. Zuletzt war Anderson mit Sex Mob auf Tournee und pr\u00e4sentierte ihr St\u00fcck Let X=X<\/em>. Anfang dieses Jahres erhielt sie gemeinsam mit Christopher Nolan und David Attenborough die Stephen Hawking Medal for Science Communication 2024, und die Internationale Astronomische Union benannte ihr zu Ehren einen Kleinplaneten: `Asteroid 270588, Laurieanderson.\u00b4<\/p>\n

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***<\/p>\n

Eine Auswahl empfehlenswerter Alben. 1982: Big Science \/ <\/em>1984: Mister Heartbreak \/ <\/em>1986: Home of the Brave \/ <\/em>1989: Strange Angels \/ <\/em>1994: Bright Red \/ <\/em>2001: Life on a String \/ <\/em>2010: Homeland \/ <\/em>2018 Landfall (mit dem Kronos Quartet) <\/em>\/ 2024: Amelia<\/p>\n

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Laurie Anderson wurde f\u00fcr das Cover ihres Albums „Strange Angles“ portr\u00e4tiert von Robert Mapplethorpe.<\/p><\/div>\n

Weiterf\u00fchrend <\/strong>\u2192<\/strong> Im typischen Gestus junger Dichter hasste Arthur Rimbaud die kleinb\u00fcrgerliche Enge seiner Vaterstadt, was z.\u00a0B. in dem satirischen Gedicht \u00c0 la musique<\/em> (An die Musik<\/em>) zum Ausdruck kommt, er ist der erste Rockstar der Poesie<\/a>. Dichter wie der Dub-Poet Linton Kwesi Johnson<\/a>, der Punk-Poet John Cooper Clarke<\/a>, der Lo-Fi-Poet Dan Treacy<\/a>, der Sp\u00e4t-Expressionist<\/a> Peter Hein, der Lizard-King<\/a> Jim Morrison und die Grandma des Punk<\/a> Patti Smith nutzten Musik als Transportmittel f\u00fcr ihre Lyrics. Und eigentlich k\u00f6nnte auch: \u201eDylan gut ohne den Nobelpreis f\u00fcr Literatur weiterleben und -arbeiten. Er ist auch kein genuiner Kandidat<\/em><\/a>, <\/em>insofern er halt kein \u201arichtiger\u2018 Schriftsteller ist, sondern ein Singer-Songwriter.\u201c (<\/em>Heinrich Detering). Der Musikkritiker Ben Watson bezeichnet Zappas Mothers of Invention als \u201epolitisch wirksamste musikalische Kraft seit Bertolt Brecht und Kurt Weill\u201c<\/em> wegen deren radikalem, aktuellen Bezug auf die negativen Aspekte der Massengesellschaft. So besehen war Frank Zappa<\/a> neben Carla Bleys\u00a0Escalator Over The Hill<\/em><\/a> einer der bedeutendsten und pr\u00e4gendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts. Die Komponistin f\u00fchrt uns vor Ohren, dass Improvisation ein gesellschaftspolitisches Idealmodell ist.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Sprachen lernen ist ein physisches Vergn\u00fcgen. Worte sind irgendwie pers\u00f6nlich und verbl\u00fcffend. Jorge Luis Borges Wir betrachten auf KUNO in 2024 \u201eLyrics\u201c als eine Form der Poesie. Die Lyra ist eine antike Harfe, ein Symbol f\u00fcr die Lied- oder Dichtkunst,…<\/p>\n

Read more →<\/a><\/p>\n","protected":false},"author":254,"featured_media":106424,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[1],"tags":[4134,899,4417,1727,4424,4123,1602,4425,4435,4006,1902,4422,1085,4437,4450,2119,4436,4419,4420,4429,4428,4433,4431,4421,4423,4434,4426,1939,4432,4427,4418,4430,428,1471],"class_list":["post-106423","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-literatur","tag-adrian-belew","tag-allen-ginsberg","tag-amelia-earhart","tag-andy-warhol","tag-anohni","tag-arto-lindsay","tag-frank-zappa","tag-gabriel-cabezas","tag-ian-ritchie","tag-johannes-schmidt","tag-john-cage","tag-john-giorno","tag-jorge-luis-borges","tag-kenny-wollesen","tag-kronos-quartet","tag-laurie-anderson","tag-leon-pendarvis","tag-leonardo-da-vinci","tag-malcolm-goldstein","tag-marc-ribot","tag-martha-mooke","tag-michael-thorne","tag-nadia-sirota","tag-pauline-oliveros","tag-peter-gabriel","tag-peter-scherer","tag-rob-moose","tag-robert-mapplethorpe","tag-roma-baran","tag-ryan-kelly","tag-timothy-leary","tag-tony-scherr","tag-walter-benjamin","tag-william-s-burroughs"],"_links":{"self":[{"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/106423","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/users\/254"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=106423"}],"version-history":[{"count":7,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/106423\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":106755,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/106423\/revisions\/106755"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/media\/106424"}],"wp:attachment":[{"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=106423"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=106423"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=106423"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}