{"id":102544,"date":"1999-12-18T08:35:00","date_gmt":"1999-12-18T07:35:00","guid":{"rendered":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/?p=102544"},"modified":"2022-04-04T09:23:57","modified_gmt":"2022-04-04T07:23:57","slug":"transmediale-projekte","status":"publish","type":"post","link":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/1999\/12\/18\/transmediale-projekte\/","title":{"rendered":"Transmediale Projekte"},"content":{"rendered":"

Der Begriff Multimedia<\/em> bezeichnet Inhalte und Werke, die aus mehreren Medien bestehen:<\/span><\/p>\n

Collage, Text, Fotografie, Grafik, Animation, Audio und Video.<\/span><\/p>\n

Dass moderne Literatur nicht nur im begrenzten Format eines Buches seinen Platz hat, belegen der Multimediak\u00fcnstler Peter Meilchen<\/a>, der Sprechsteller\u00a0A.J. Weigoni<\/a>\u00a0oder die visuelle Poetin\u00a0Angelika Janz<\/a>\u00a0nachdr\u00fccklich. Alle vorgenannten Artisten arbeiten sowohl mehrperspektivisch, als auch interdisziplin\u00e4r.<\/p>\n

Als Angelika Janz im Rheinland in den 70er Jahren erste Schritte in die Literatur- und Kunstszene unternahm, lehrte in D\u00fcsseldorf Joseph Beuys, in der Kunst wurden nicht die Schlachten des 19. Jahrhunderts geschlagen, sondern zwischen Pop Art und Fluxus wurde im Zukunftslabor gearbeitet.<\/i><\/span><\/p>\n

Michael Gratz<\/span><\/p>\n

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Angelika Janz kann noch warten um den Punkt zu setzen<\/p><\/div>\n

Angelika Janz hat eine Kunstform begr\u00fcndet, bei der Textausschnitte im Sinne der Autorin so erweitert werden, da\u00df aus Einzelteilen ein g\u00e4nzlich neuer literarischer Text entsteht, die Ausrisse und Schnitte gleichwohl sichtbar bleiben. Gewiss, das Konzept zum Fragmenttext<\/i> stammt aus analoger Zeit, verbindet sich durch die Zeitl\u00e4ufte jedoch sinnf\u00fcllend mit digitalen Pr\u00e4sentationsformen. In diesen Arbeiten finden sich K\u00f6rper, Technik, Linguistik und r\u00e4umliche Konstellationen zusammen, mithin Determinanten von Werk und Autorschaft, die in ganz unterschiedlichen Auspr\u00e4gungen und Gewichtungen auftreten: Der K\u00f6rper der Schreibenden, ihre Gestik zwischen Ruhe und Bewegung, zwischen Aktivit\u00e4t und Passivit\u00e4t, die Hand, die ein Schreibger\u00e4t f\u00fchrt oder bedient, k\u00f6rperliche St\u00e4rke oder Schw\u00e4che. Den Kunstreiz birgt die M\u00f6glichkeit der Zusammenschau von Vergangenheit in Form gewesener Unversehrtheit des Ursprungsmaterials bis in eine zuk\u00fcnftige utopische Daseinskonzeption hinein; beides verk\u00f6rpert in der Pr\u00e4senz des Kunstwerkes. Dieses konjunktivistischste Vorhaben wird durch einen regelrechten „Evokationspluralismus“ realisiert: Die Bildelemente, die Angelika Janz in ihren Texten verwendet, werden durch ihre Verunkenntlichung derart verfremdet, da\u00df durch den Drang der Rezipienten zur Monosemierung ein bedeutungsm\u00e4\u00dfiger „Vielmehrwert“ entsteht, da so viele Umwege begangen werden wie es verschiedene Einstellungen zu und Erfahrungen mit Texten gibt. Das Fragment ist somit Anfang aller F\u00f6rmlichkeit, die wiederum eine Erweiterung fordert (genauso wie der Inhalt, den sie verk\u00f6rpert). Das Verfahren scheint im Spekulativen zu schweben, jedoch bedeutet es lediglich die Pflicht zum Offenhalten von Kunstsprache; der vorl\u00e4ufige m\u00f6gliche Abschlu\u00df wird durch die Rezipienten besorgt. Es geht beim Fragmenttext um die physischen Bedingungen des Schreibens und ihre Auswirkungen auf den Text, aber auch um die technischen Hilfsmittel (Kreide, Stift, Schreibmaschine) die diese physischen Bedingungen beeinflussen und ver\u00e4ndern.<\/p>\n

Eine Art typographisches Tryptichon ist das visuelle Grundmuster der Fragmenttexte, die\u00a0Angelika Janz in dem vorz\u00fcglich gestalteten Band Corridor vorlegt.<\/em><\/span><\/p>\n

Norbert Hummelt<\/span><\/p>\n

\"\"Bild und Text geh\u00f6ren in ihren Arbeiten h\u00e4ufig zusammen. Diese Angangsweise birgt die M\u00f6glichkeit der Zusammenschau von Vergangenheit in Form gewesener Unversehrtheit des Ursprungsmaterials bis hin in eine m\u00f6gliche zuk\u00fcnftige utopische Daseinskonzeption hinein; beides verk\u00f6rpert in der Pr\u00e4senz des Kunstwerkes. Dieses konjunktivistischste Vorhaben wird durch einen „Evokationspluralismus“ realisiert: Die Text- und Bildelemente, die Janz in ihren Texten verwendet, werden durch ihre Verunkenntlichung derart verfremdet, da\u00df durch den Drang der Rezipienten zur Monosemierung ein bedeutungsm\u00e4\u00dfiger „Vielmehrwert“ entsteht, da so viele Umwege begangen werden wie es verschiedene Einstellungen zu und Erfahrungen mit Texten gibt. Das Fragment ist somit Anfang aller F\u00f6rmlichkeit, die wiederum eine Erweiterung fordert (genauso wie der Inhalt, den sie verk\u00f6rpert). Das Verfahren scheint zuweilen im Spekulativen zu schweben, jedoch bedeutet es lediglich die Pflicht zum Offenhalten von Kunstsprache; der vorl\u00e4ufige m\u00f6gliche Abschlu\u00df wird durch die Betrachter besorgt.<\/p>\n

Das Fragment – geheime Kontinuit\u00e4t des Offenen, Ankunft und Pr\u00e4senz allen Kunsttuns, dessen Angebot zum Unterwegsbleiben. Aller Anfang ist Zeremonie und – Fragment. Sinn ist \u00fcberall, ein Sog versprengter Verirrungen, kleinste Reaktionen zertrennter Materie, wenn Stoff von sich selbst getrennt wird.<\/i><\/span><\/p>\n

Angelika Janz<\/span><\/p>\n

Ihre Fragmenttexte<\/em> haben als Bild einen \u00e4sthetischen Wert, wenn auch einen eher abstrakten oder autonomen. Es gibt Papierschnitte und Collagen, wo Bild und Text, Bildsprache und Wortsprache miteinander korrespondieren oder gleichsam zusammengetackert sind. Diese Text-Bild-Collagen sind Einladungen zur Lekt\u00fcre. Bild und Text spielen in ihnen zusammen, die W\u00f6rter haben unterschiedliche Gr\u00f6\u00dfe, Farbe und Schrift. Die Collagen sind sinnlich, spielerisch, sprachsch\u00f6pferisch und stets inspirierend. Wobei der Text bei dieser \u00e4sthetischen Prothetik niemals das Bild und das Bild an keiner Stelle den Text illustriert, sondern eine gegenseitige Erweiterung von Bild und Text stattfindet. Ihr Schaffen ist voll von solchen lyrischen Angeboten an die Leserschaft: denn Angebote sind es, unsere Konnotationen sind kein Allgemeingut, k\u00f6nnen es nicht sein, denn jedes menschliche Individuum hat seinen eigenen Erfahrungshorizont, den es in eine Lekt\u00fcre mit einbringt und der gewisserma\u00dfen in eine Reaktion mit dem Text tritt: Subtext ist nicht einfach da. Es ist eine Durchkreuzung des Nullpunkts der Literatur:<\/p>\n

Was schimmert auf der anderen Seite? Was passiert nach dem Durchbruch?<\/span><\/p>\n

Diese Artistin ist Medium, ihre Leistung besteht darin, einen Platz, einen Raum einzunehmen und dort Schnittstelle zu sein. Fragmente, Scherben, Reste, Bruchst\u00fccke, Relikte, Spuren sind f\u00fcr Janz nicht Versprechen auf die Wiederherstellung jener einstigen Ganzheit, die Bruchst\u00fccke, Ausrisse, Frakturen ihres Bruchs bleiben, sind irreparabel, sind Bruchstellen der neuen Identit\u00e4t eines m\u00f6glichen Ganzen, eine Art Imperativ f\u00fcr die Offen-Gehaltenheit ihres k\u00fcnstlerischen Tuns. In jedem dieser Arbeiten halten auf befrag w\u00fcrdige Weise die Begriffe „defekt“ und „wiederhergestellt“ – in einem urspr\u00fcnglichen Sinn, das eine wie immer gestaltete, bewegte, immer bewegte Einheit voraussetzt, einander in der Balance. Janz stellt eine neue Lesbarkeit her.<\/p>\n

Peter Meilchen ist der J\u00e4ger eines verlorenen Erinnerungs-Schatzes, f\u00fcr den das \u201enegative management\u201c das mediale Sinnbild ist: eine Zeit, in der die Effekte mit den Affekten noch eine chemische Verbindung hatten.<\/span><\/p>\n

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Peter Meilchen, Photo: Dieter Meth<\/p><\/div>\n

Peter Meilchens Kunst war die literarische Negativ- und Doppelbelichtung. Gestochen scharf wirken seine imagin\u00e4ren Erinnerungsbilder aus Linz am Rhein, doch pulst in ihnen auch der Schrecken. Seine skeptisch-ironische Weltsicht einerseits, sein poetisches Engagement anderseits bringen viele Werke hervor, die verschiedene Positionen beziehen. Sowohl als bildender K\u00fcnstler, wie auch als Autor ist Peter Meilchen ein Beobachtungsvirtuose, der viele Preziosen zu bieten hat, Wahrnehmungen, die vielleicht nicht unbedingt lebenswichtig sind, aber gerade in ihrer Fokussierung des Nebens\u00e4chlichen dem Leser Aha-Erlebnisse und Wiedererkennungseffekte verschaffen. Er nimmt sich und seinen Figuren kein Blatt vor den Mund, die Brutalit\u00e4ten in Wort und Bild k\u00f6nnen uneingeschr\u00e4nkt defilieren. Auch das geh\u00f6rt sp\u00e4testens seit Rabelais zur Lust am Grotesken, dieses destruktiv-sch\u00f6pferische Sich-gehen-Lassen, die verbale Ausschweifung. Reich an Adjektiven, an Partizipien und an sich windenden, immer in neue Ecken sp\u00e4henden S\u00e4tzen sind diese ausgefeilten St\u00fccke. Vor allem Farbeindr\u00fccke nehmen darin breiten Raum ein. Zwischen Schwarz und Gr\u00fcn bewegt sich eine Beobachtung eines Unsichtbaren<\/em>. Die R\u00fcckkehr ins Rheinland steht bei Schimpfen<\/em> im Zeichen von Gelbt\u00f6nen, die so schnell vom Satt-Sch\u00f6nen ins Erdige umschlagen. Und nat\u00fcrlich geht es bei Texte<\/em>, die so intensiv und bilderreich das Ineinandergreifen von gegenw\u00e4rtigen und vergangenen Sinneswahrnehmungen ausleuchtet, auch um die Augenblicke, da das Wahrnehmen in das Verlangen umschl\u00e4gt, das Wahrgenommene schreibend zu fixieren.<\/p>\n

Ein K\u00fcnstler ist der Feind der allgemeinen Wahrnehmung<\/em><\/span><\/p>\n

Ai Weiwei<\/span><\/p>\n

Wenn Peter Meilchen spazieren ging, begegnet ihm ein \u00dcberma\u00df an Welt. Das mu\u00df er bew\u00e4ltigen – mit Sprache, mit S\u00e4tzen und Satzfragmenten, in denen die Welt weiter m\u00e4andert, vibriert und manchmal auch herausbr\u00fcllt. Er portr\u00e4tiert in seinem Werk eine untergehende Welt – und \u00fcberwand sie. Opulenz, W\u00fcrde und Gesellschaftsanalyse verbindet er wie kein anderer. Wenn wir Romantik als Autonomie des Imagin\u00e4ren verstehen, dann handelt es sich hier durchaus um romantische Texte<\/em>, die sich aus der Spannung zwischen Realit\u00e4t und Imagination, Besitzen und Begehren ergeben. Es sind Texte ohne Ged\u00e4chtnis, allein von Erinnerungen an Bilder, Ger\u00fcche, Gef\u00fchle getragen und auf der Suche nach einer zu erz\u00e4hlenden Geschichte. Das ist keine instrumentale Sprache, die ihren Gedanken schon umschlossen h\u00e4lt und dadurch auch f\u00fcr nichts Neues und \u00dcberraschendes mehr zur Verf\u00fcgung stehen kann, sondern eine Sprache des Suchens und Unterwegsseins, der Ahnungen und einer immensen Lust am Entdecken. Wer von seinem Leben erz\u00e4hlt, erz\u00e4hlt immer eine Erfolgsgeschichte. Wer erz\u00e4hlt, lebt. Schon das ist ein Triumph. Wer erz\u00e4hlt, ist der geworden, der erz\u00e4hlen kann. Wer erz\u00e4hlt, ist nicht allein. Er geh\u00f6rt in eine Welt, die seine Welt geworden ist. Ganz auf die Ablagerungen der eigenen Biographie setzend und ohne Attit\u00fcde benennt Meilchen so die Quelle seiner reichen und doch nie vagen Texte<\/em>.<\/p>\n

Der Akt des Sehens und der Akt des Filmens, f\u00fcr Peter Meilchen gab es da nie einen Unterschied.<\/span><\/p>\n

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DVD aus dem Nachlass<\/p><\/div>\n

Exemplarisch l\u00e4\u00dft sich Meilchens Arbeit an einem Multimediaprojekt verdeutlichen. Schland<\/em> ist der Versuch, den Blick gleichsam zu konservieren und mit der Kraft der Vergewisserung die Seele des Augenblicks festzuhalten. Diese multimediale Arbeit beschreibt einen akustischen Raum in einem r\u00e4umlichen Beh\u00e4ltnis, dem \u201eneuen\u201c DeutSchland, einem fiktiven Staat, tiefste Provinz. Schland folgt dem poetischen Kernsatz: \u201eNur die Fiktion ist noch wirklich, weil die Wirklichkeit durch mannigfaltige Wahrheiten verunstaltet wurde.\u201c Schland<\/em> ist nicht nur ein Acker in Herdringen, auf dem Milchproduzenten umherlaufen, Schland ist \u00fcberall. Es geht (ganz im Sinne Poes: \u201eMan sieht es und sieht doch hindurch\u201c) um den Blick, das Sehen, die Kurzsichtigkeit. In seinem Spiel mit den unterschiedlichen Oberfl\u00e4chen und Texturen, in der Kontrastierung der scheinbar unvermittelten Landschaft bei Herdringen, den mehrfach gebrochenen Ausblicken auf das Sauerland sind diese Fotos – nicht nur im ironischen Kommentar des zusammengekniffenen Photografenauges,\u00a0 immer auch Reflexionen \u00fcber das Medium Photografie. Mit dem 16 mm-Film nimmt man auch die Materialit\u00e4t des Zelluloids, die Mechanik und Optik dieser Illusionsmaschinen wahr. Und das, was beim \u00dcbergang von den analgogen zu den digitalen Medien verloren gegangen ist.<\/p>\n

Bilder zeigen nur, was sie zeigen \u2013 aber wissen wir wirklich, was sie zeigen?<\/span><\/p>\n

Peter Meilchen pr\u00e4sentiert mit Schland<\/em> ein durchaus ernsthaftes Projekt \u00fcber ein Tier, dessen Faszinationspotenzial gering scheint, dem aber ein entscheidender Anteil an der Sesshaftwerdung des Menschen, also der wesentlichen zivilisationsgeschichtlichen Wegmarke \u00fcberhaupt zugesprochen werden kann. Das K\u00fche, die g\u00fctigen Ammen der Menschheit sind, wissen wir seit dem alten Testament, die Gr\u00fcnde daf\u00fcr, da\u00df der Kuh eher das Image von Beh\u00e4big- und Mittelm\u00e4\u00dfigkeit anhaftet, vollzieht Peter Meilchen in seinem Projekt nach, indem er zeigt, wie urspr\u00fcnglich biologische Konstitutionsmerkmale oder historische Notwendigkeiten mit symbolischem Gehalt gef\u00fcllt werden. Er pr\u00e4sentiert die k\u00f6rperliche Ruhe der Kuh, die sie zum Sinnbild des Stoischen hat werden lassen, mit ihrer Eigenschaft als Beutetier. F\u00fcr das ist es in freier Wildbahn \u00fcberlebensnotwendig, weder Panik noch Schmerz zu zeigen, um nicht die Aufmerksamkeit des Raubtiers auf sich zu lenken. \u00c4hnlich: ihre Augen. Sie sind daf\u00fcr geschaffen, ein maximal gro\u00dfes Sichtfeld zu haben, um Angreifer m\u00f6glichst fr\u00fch erkennen zu k\u00f6nnen. Uns sind sie indes vor allem Ausdruck der psychischen wie physischen Lethargie der Kuh. Wie tief gerade das Bild der Kuh als Indikator von Normalit\u00e4t im kulturellen Ged\u00e4chtnis verankert ist, wird besonders an jenen Untergangsvisionen augenscheinlich, in denen die Kuh zum Vorboten des Unheils wird, das bald auch den Menschen erreichen wird. Was mit den K\u00fchen in der biblischen Apokalypse-Darstellung beginnt, setzt sich fort in amerikanischen Weltuntergangsfilmen wie Apocalypse Now<\/em>, Twister<\/em> oder Jurassic Park<\/em>, in denen die durch die Luft fliegende oder schwebende Kuh zum untr\u00fcgliches Zeichen daf\u00fcr wird, da\u00df die Welt aus den Fugen geraten ist. Sein Trick besteht darin, da\u00df es nat\u00fcrlich gar nicht um die Wahrheit \u00fcber die Kuh geht, sondern darum, gerade durch die verschiedenen Projektionen etwas \u00fcber die die Menschen und ihre Zeit selbst zu erfahren.<\/p>\n

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Tom T\u00e4ger im Tonstudio an der Ruhr. Photo: Andreas mangen<\/p><\/div>\n

Ab dem n\u00e4chsten Jahr wird der Welttag der Poesie<\/em> gefeiert. Er soll an \u201edie Vielfalt des Kulturguts Sprache und an die Bedeutung m\u00fcndlicher Traditionen erinnern\u201c.<\/span><\/p>\n

Traditionelle Techniken sind der Kompass, mit dem man k\u00fcnsterische Anspr\u00fcche sinnf\u00e4llig durch die neuen Medien navigieren kann, dies lehrt A.J. Weigonis Erfahrung bei sparten\u00fcbergreifenden Projekten seit Beginn der 1990ger Jahre. Sprache erreicht – je nach Aggregatszustand: geschrieben, gezeichnet, gesprochen, performt – unterschiedliche Wirk- und Erkenntnism\u00f6glichkeiten. Mit dem H\u00f6rBuch 1\/4 Fund<\/em> begann ein vierteiliger Zyklus von lyrischen Monodramen in Rezitation und H\u00f6rspiel (begleitet durch den Komponisten und Tonmeister Tom T\u00e4ger), dabei verl\u00e4\u00dft sich dieser VerDichter auf den \u00e4ltesten Special-Effekt, den die Menschheit besitzt:<\/p>\n

Die Stimme!<\/span><\/p>\n

Weigoni tr\u00e4gt seine Gedichte nicht einfach vor, er gestaltet und verwirklicht sie. Es geht ihm um die Wahrhaftigkeit des Wortes. Seine Gedichte sind eine tonale Komposition mit sprachlichen Mitteln. Er vermag es poetische Performances zu Ereignissen zu machen, weil er den richtigen Rhythmus und die Melodie findet. Unangestrengt schafft er gefl\u00fcsterte, gesprochene Sprachkunstwerke. Das Mond\u00e4ne vereinigt sich mit dem Musikalischen; der Intellekt mit dem Sinnlichen. Er l\u00e4\u00dft mit Lust an der gesprochenen Sprache, an der Sch\u00f6nheit von Worten: Tonfall, Melodie und Rhythmus h\u00f6ren. Durch Intensit\u00e4t und Differenziertheit der Wahrnehmung, die in eine genuine Sprachmusik umgesetzt ist, rhythmisch, lautmalerisch und konsonantenreich macht er Sprache als Material sichtbar. Als Sprach-Spiel mit der Aufforderung zum Mitspielen.<\/p>\n

Sie sind Spielgef\u00e4hrte!<\/span><\/p>\n

Letternmusik im Gaumentheater<\/em><\/a> ist ein Platz f\u00fcr den artistischen Bau autarker Sprachkonstrukte ausserhalb der allt\u00e4glichen Rede und normierter Sprachregularien. Weigoni ist ein Grossmeister in der Kunst der Sprachbefragung. Wieder und wieder dreht und wendet er diese, nimmt die W\u00f6rter beim Wort und nicht zuletzt beim Buchstaben, bis ganz neue Dinge aufscheinen. Seine Spracharbeit findet immer und \u00fcberall zugleich statt, auf der phonetischen \u00fcber die lexikalische zur syntaktischen bis auf die Textebene kann sich eine sprachliche Wendung in vielschichtiger Weise entfalten. Dieses Freigelassene, Str\u00f6mende entsteht durch Pr\u00e4zision, Klarheit und Konzentration. Diese Gedichte oszillieren zwischen dem lyrischen Protestgedicht und dem politischen Liebesgedicht. Sie sollen daran erinnern, was Poesie urspr\u00fcnglich war:<\/p>\n

Gesang, Melodie und Rhythmus, Reim und Versmass, Litanei und Mythos.<\/span><\/p>\n

Mit den ersten Zeilen wird dieser Ton angeschlagen, wie in der Er\u00f6ffnung einer Cellosonate, dr\u00e4ngender Abstieg in gefa\u00dfte Melancholie. Vorsichtig, zur\u00fcckhaltend setzen sie ein, die Langgedichte, aber sie alle variieren ein einziges \u00fcberw\u00e4ltigendes Thema \u2013 was der Mensch ist in seiner Ungesch\u00fctztheit, wie er sich darin bew\u00e4hren kann, vor allem vor sich selbst. Bei \u00bbSe\u00f1ora Nada\u00ab provoziert Weigoni mit einem stream\u2013of\u2013consciousness durch Inhalte, und nicht durch Dolby\u2013Surround. Darin wird er von Tom T\u00e4ger begleitet mit einer Musik der befreiten Melodien. Seine Komposition ist durchsetzt mit minimalistischen und improvisatorischen Erfahrungen, das Klangbild wird von experimentellen Kl\u00e4ngen zu Trivialkl\u00e4ngen in Bezug gesetzt.<\/p>\n

Das Monodrama, eine polyperspektivische Dichtung<\/span><\/p>\n

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Ioona Rauschan, Regie<\/p><\/div>\n

Schwarz ist die Farbe der Stille, Wei\u00df jene des Rauschens auf diesen menschenleeren Bildern, die Meer und Riff, Bucht und Hafen ins wechselnde Licht r\u00fccken. Die grammatische Implosion im letzten Wort, das Herausbrechen unbetonter Vokale, versinnlicht sprachlich das Motiv des Schiffbruchs. \u00dcber den sp\u00e4rlichen Werken der Zivilisation liegt die Aura schrecklicher Sch\u00f6nheit, Spuren verlieren sich am Strand. Den Kampf um die Dauer hat der Mensch hier immer schon verloren. Die Sch\u00f6nheit von Weigonis Sprache liegt in der lakonischen Pr\u00e4zision des Wortes, der Genauigkeit jeder Beobachtung: in der Poesie des bewu\u00dft erlebten Augenblicks. So als habe die Todesn\u00e4he, in der die Protagonistin sich befindet, auch das Bewu\u00dftsein des Lyrikers beim Schreiben aufs \u00c4u\u00dferste gesch\u00e4rft. Wo das Schreiben die Notwehr der Seele gegen den Ansturm des Nichts darstellt, wird alles m\u00f6glich. Weigoni ist ein Vertreter stilistischer Polyphonie, er schert sich nicht um die klassische Schriftsprache und Forderungen der sprachlichen Reinheit, sondern mischt gehobene mit niederen Ausdrucksweisen und wartet mit einer F\u00fclle von Soziolekten, dialektalen Eigenarten und syntaktischen F\u00fcgungen aus der gesprochenen Sprache auf. Er verwendet wissenschaftliche Begriffe wie Ausdr\u00fccke der Alltagssprache, nimmt tradierte Metaphern auf und pr\u00e4gt neue. Wiederholungen, motivische Wiederaufnahmen und Inversionen, rhetorische Fragen, aphoristische und apodiktische Formulierungen setzt er stilistisch wirkungsvoll ein und spickt seine Poesie mit Zitaten anderer und Anspielungen auf eigene Werke. Das kaleidoskopische Zitieren verschafft seinen Schriften eine intertextuelle Ebene, die sich als eine Form kultureller Erinnerungsarbeit deuten l\u00e4\u00dft. In diesen Satzgirlanden, die zuweilen von schelmischem Gel\u00e4chter durchdrungen sind, geht es um unterschiedliche Anteile von Tradition und Traditionsbruch.<\/p>\n

Die Sprache bringt das Geheimnis der Dinge zum Leuchten<\/span><\/p>\n

\u00bbSe\u00f1ora Nada\u00ab pr\u00e4sentiert ein schwankendes Daseinsgef\u00fchl. Hier geht es um die Krankheiten der Epoche, um Entfremdung, Auraverlust der Kunst und die metaphysischen Konsequenzen, die f\u00fcr den transzendental Obdachlosen aus der Entzauberung der Welt entstanden sind. Dieses Monodram zeigt sich lyrisch hermetisch und auf engstem Raum labyrinthisch, die dahinsurrenden Zeilen sind raffiniert und lapidar zugleich, Stimmungsbilder aus dem Innersten einer \u00e4u\u00dferst ungesicherten Existenz. Wie im Mondlicht die Dinge eine quecksilbrig harte und zugleich diffus changierende Kontur annehmen, von der einen in die andere Gestalt wechseln, somit der Einbildungskraft doppelt ausgeliefert scheinen, erweist sich \u00bbSe\u00f1ora Nada\u00ab als somnambul und luzide zugleich. Eine n\u00e4chtlich phosphoreszierende Welt, Wachtraum und Traumerwachen, die sich nur in ganz wenigen Augenblicken vers\u00f6hnlich entspannt. Dieses Monodram bietet Momentaufnahmen einer be\u00e4ngstigend sinnlichen Metaphysik des Schwebens, einer gegenst\u00e4ndlichen Bodenlosigkeit gleitender, entgleitender Bezugspunkte, einer sich verschr\u00e4nkenden inneren und \u00e4u\u00dferen Welt. Es ist beides enthalten und gleichfalls bestimmend: Form und Formsprengung, bezogen auf die allgemeine Geschichte der Gattung Langgedicht, und besonders auf die individuelle.<\/p>\n

Einst waren Interpreten Barden, Schamane, Seher, Troubadoure, waren Reisende in Sachen Liebe und Moral… im digitalen Zeitalter geht der Schrift der Sinn und damit die Sinnlichkeit immer mehr verloren; so scheint es. Weigoni sucht mit atmosph\u00e4rischem Verst\u00e4ndnis die Poesie im \u00e4ltesten „Literaturclip“, den die Menschheit kennt: Dem Gedicht!<\/p>\n

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Weiterf\u00fchrende Vertiefungen zu transmedialen Projekten:<\/strong><\/p>\n

\u2192<\/strong> Lesen Sie auch das Kollegengespr\u00e4ch<\/a>, das A.J. Weigoni mit Angelika Janz \u00fcber den Zyklus fern, fern<\/em> gef\u00fchrt hat. Vertiefend ein Essay<\/a> der Fragmenttexterin<\/em>. Ebenfalls im KUNO-Archiv: Jan Kuhlbrodt mit einer Ann\u00e4herung<\/a> an die visuellen Arbeiten von Angelika Janz. Und nicht zuletzt, Michael Gratz \u00fcber Angelika Janz\u2018 tEXt bILd<\/a><\/p>\n

\u2192<\/strong> Einen Essay zur Ausstellung 50 Jahre Krumscheid \/ Meilchen<\/em> lesen Sie hier<\/a>. Zur Ausstellung erschien <\/a>das Buch \/ Katalog-Projekt Wortspielhalle<\/em> mit der Reihe Fr\u00fchlingel<\/em> von Peter Meilchen und einem\u00a0Vorwort von Klaus Krumscheid. Einen Essay zum Buch \/ Katalog-Projekt 630<\/em> zu finden Sie hier<\/a>.<\/p>\n

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A.J. Weigoni, Photo: Thomas Suder<\/p><\/div>\n

\u2192<\/strong>\u00a0<\/strong>Jeder Band aus dem Schuber<\/em> von A.J. Weigoni ist ein Sammlerobjekt. Und jedes Titelbild ein Kunstwerk. KUNO fa\u00dft die Stimmen<\/a> zu dieser verlegerischen Gro\u00dftat zusammen. Last but not least: VerDichtung \u2013 \u00dcber das Verfertigen von Poesie<\/em><\/a>, ein Essay von A.J. Weigoni in dem er dichtungstheoretisch die poetologischen Grunds\u00e4tze seines Schaffens beschreibt.<\/p>\n

H\u00f6rproben <\/strong>\u2192<\/strong> Probeh\u00f6ren kann man Ausz\u00fcge der Schmauchspuren<\/a>, von An der Neige<\/a> und des Monodrams Se\u00f1ora Nada<\/a> in der Reihe MetaPhon<\/a>. Zuletzt bei KUNO, eine Polemik von A.J. Weigoni \u00fcber den Sinn einer Lesung<\/a>.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Der Begriff Multimedia bezeichnet Inhalte und Werke, die aus mehreren Medien bestehen: Collage, Text, Fotografie, Grafik, Animation, Audio und Video. Dass moderne Literatur nicht nur im begrenzten Format eines Buches seinen Platz hat, belegen der Multimediak\u00fcnstler Peter Meilchen, der Sprechsteller\u00a0A.J.…<\/p>\n

Read more →<\/a><\/p>\n","protected":false},"author":257,"featured_media":101488,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[1],"tags":[628,918,1152,1289,1151,919,52,57,35],"class_list":["post-102544","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-literatur","tag-a-j-weigoni","tag-angelika-janz","tag-frank-michaelis","tag-kai-monnich","tag-marion-haberstroh","tag-michael-gratz","tag-peter-meilchen","tag-thomas-suder","tag-tom-tager"],"_links":{"self":[{"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/102544","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/users\/257"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=102544"}],"version-history":[{"count":3,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/102544\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":102547,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/102544\/revisions\/102547"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/media\/101488"}],"wp:attachment":[{"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=102544"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=102544"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"http:\/\/www.editiondaslabor.de\/blog\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=102544"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}